Bene, se non possiamo aggiungere note extra, abbiamo ancora alcune opzioni.

Il più grande cambiamento potenziale è il voicing degli accordi. Alcuni suoneranno piccoli e sottili, e altri suoneranno grandi e risonanti. Per le mie orecchie, le quinte aperte grandi possono rientrare in quest'ultima categoria. Consiglierei di sedersi davanti a un pianoforte / tastiera e sperimentare. Non aggiungere estensioni! Un'altra opzione è studiare gli spartiti per più idee per la voce. Un'altra parola a cui prestare attenzione qui è inversione. Diverse inversioni sono fondamentalmente diverse voci dell'accordo.

Su un argomento correlato, l'intervallo in cui suoni l'accordo avrà un grande impatto. Le ottave basse sono ottime per impartire potenza, ma sono facili da usare eccessivamente. Sperimenta anche qui.

Vale anche la pena dire che a volte meno è meglio. So che è un cliché, ma c'è una ragione per questo. Se suoni sempre un sacco di note, stancherai i tuoi ascoltatori e perderanno il loro impatto. Non devi suonare molte note e armonie complicate per fare buona musica. Per me, ci vuole uno sforzo consapevole per giocare di meno, ma sono quasi sempre più contento dei risultati.

Se hai voglia di barare un po ', i secondi (o noni) sono cose meravigliose. Puoi introdurli di nascosto in tutti i tipi di triadi di base senza che nessuno si arrabbi troppo. Anche i settimi minori possono essere inseriti qua e là. Certo, sono estensioni, ma di certo non sono jazz.

Spostandoti ulteriormente in questo territorio, potresti anche sperimentare diverse note di basso. Una tecnica comune per creare tensione consiste nell'usare una nota di basso costante sotto gli accordi in movimento. Ad esempio, c'è una canzone che suono che ha la seguente progressione di bridge: G F G Dm7 G F G F . Niente di speciale. Nella seconda ripetizione, suono G F / G G Dm7 / G G F / G G F . La risoluzione della tensione creata dal F finale e dal successivo accordo di chorus ( C , la tonica) rende questo secondo suono ripetuto molto più grande.

Consiglierei di esaminare un po 'gli approcci alla chitarra, così come un po' di guida vocale.

Quando i chitarristi suonano le triadi, di solito suonano la stessa nota alcune volte, come un Mi maggiore in posizione aperta: EBEG # BE. Ci sono tre E e due B. Concentrarsi sul raddoppio della fondamentale e della quinta dell'accordo porta molta profondità e supporto al suono "più piccolo" che una triade ha rispetto a uno con estensioni e alterazioni Jazzy. Molta musica rock utilizza Power Chords (Root, 5, ottave) e molta distorsione, il che rende gli accordi molto spessi. Questo ovviamente tralascia l'aspetto maggiore / minore, ma in genere è facilmente determinato nel contesto di tutti gli accordi presi insieme, inclusi nella melodia o semplicemente non necessari per lo stile.

Anche la guida vocale può essere molto importante, a seconda di cosa stai cercando. L'idea di voice leading nasce dal concetto di Counterpoint, che è l'idea di avere diverse linee o voci che suonano tutte la propria parte, con l'obiettivo di mantenere l'indipendenza per ogni parte. La guida vocale di base include il non utilizzo di quinte o ottave parallele da un accordo all'altro, ad esempio, se si va da G a D, non si vorrebbe avere due voci che suonano la nota G ed entrambe si muovono fino alla nota A. Quinte e ottave fondamentalmente distruggono l'indipendenza delle voci, quindi se hai un'armonia in quattro parti e hai quinte parallele tra due accordi, suonerà come se avessi perso una voce quando arriverai al secondo accordo. Non ne sono sicuro al 100% ma credo che questo abbia a che fare con gli armonici. Poiché le quinte e le ottave sono i primi due armonici, sono strettamente correlati, quindi è facile per la voce acuta "scomparire" nella voce inferiore perché si fonde e suona come se fosse solo un armonico. L'uso della guida vocale contrappuntistica può consentire di avere armonie dal suono più pieno mantenendo questa indipendenza vocale. È importante notare la differenza tra ottave parallele e raddoppio. Se ascolti brani orchestrali, molto spesso sentirai strumenti che si raddoppiano a vicenda in ottave, il che non infrange queste "regole". L'idea è che quei due strumenti stiano effettivamente suonando la stessa voce e aggiungendo solo consistenza e profondità all'armonia, quindi non si suppone che abbiano l'indipendenza che le "regole" dovrebbero mantenere.

Questi approcci di guida vocale spesso portano a soluzioni che implicano inversioni e, come altri hanno già detto, le inversioni possono conferire molta consistenza ai tuoi accordi, a volte sembra che siano completamente cambiate in un altro accordo. Nella mia esperienza di bassista, a volte può essere delicato usare le inversioni ed è facile usarle eccessivamente. Mi ci è voluto un po 'per "maturare" e capire che ci sono volte in cui le inversioni non sono appropriate per lo stile di musica che sto suonando, qualunque sia lo stile in quel momento.

Puoi anche guardare alcune cose di chitarra per vedere gli schemi di guida vocale incorporati. Saresti alla ricerca di canzoni che abbiano per lo più voci di accordi aperti. Molte progressioni che utilizzano i voicing aperti standard seguono regole di guida vocale piuttosto buone e portano ad armonie dal suono più pieno.

Come altri hanno già detto, anche esplorare la gamma è prezioso. Avere forti note di basso aggiunge molta profondità alla tua armonia. Vale anche la pena ricordare che più le tue voci sono lontane, meno suonano come se lavorassero insieme. L'approccio classico all'interno di un'armonia a quattro parti consiste nel non avere più di due ottave tra le voci di basso e soprano (voci più basse e voci più alte). Questo non dovrebbe essere considerato una regola da nessun allungamento, ma elaborare le parti entro un paio di ottave l'una dall'altra può aiutarti a sentire la coesione che può offrire. Da lì, puoi fondamentalmente spostare le cose su e giù e più lontano come desideri e sentire come influisce sulla coesione e sulla stabilità della tua armonia. La musica rock utilizza spesso il bassista per raddoppiare la fondamentale di ogni accordo un'ottava sotto la chitarra, il che aggiunge molta profondità, quindi anche questo può aiutare molto.

C'è molto da dire anche sul cambio di contesto e di trama. Spesso ascoltiamo brani che includono un arrangiamento dal suono più piccolo per un'introduzione, quindi la sezione successiva includerà un arrangiamento più ampio, come intro / strofa di sola chitarra con la band che entra al primo ritornello. Questo può far sembrare l'arrangiamento più grande più grande di quanto non sia in realtà a causa della sua provenienza. Ho usato uno strumento simile nella mia scrittura in cui suonerò tutte le mie note di basso un'ottava sopra di quello che potresti aspettarti da un bassista, poi verso la fine della canzone in un momento critico, lascerò giù per quell'ottava e tutto suona alla grande per quella parte importante della canzone, favorendo il climax.

Ci sono sicuramente molte possibilità su ciò che può aiutarti a raggiungere i tuoi obiettivi qui, quindi è sicuramente una buona idea per provarne molti. Consiglio anche di trovare alcune canzoni da imparare che siano per lo più triadiche e cercare di determinare quale sia il loro approccio che funziona meglio di quello che sei stato in grado di fare fino ad ora.

Potrebbe essere ovvio per te, ma potrebbe valere la pena ricordare che le triadi non devono essere la tua "unità di base" di arrangiamento: puoi scrivere musica che non suona mai due note contemporaneamente e ha comunque una senso di progressione armonica. Poi c'è il modello "linea di basso + melodia", che è pieno di opzioni, o suonare le diadi (due note) invece delle triadi.

Potresti pensare che sia strano suggerire di suonare meno note se vuoi un suono più pieno, ma spesso arrangiamenti più aperti ti danno più spazio per dissonanze interessanti e possono essere molto 'agili' - puoi cambiare l'intera armonia con una sola nota. Significano anche che quando lanci una triade, suonerà piena in confronto!

Quando si tratta di triadi reali, endorph le ha menzionate ma sono così buone che lo dirò di nuovo: l'accordo sus2 come colore a sé stante (non come una sospensione effettiva) è molto utile ed è una parte importante del vocabolario della musica pop. Funziona bene anche come base per ulteriori estensioni.

"less is more" può funzionare anche quando si pensa alle estensioni: non è necessario suonare tutte quelle note in più in una volta! Quando suono in Do minore, potrei colpire un po 'non un cluster di C, D ed E ♭ - Lo sto pensando come un Cm9 (no 5 no 7) ma suonandolo come qualcosa di molto più semplice. Quindi, se vuoi davvero suonare le triadi, suonare le triadi che sono riduzioni delle estensioni può funzionare. Potresti pensare che l'accordo sus2 sia un'inversione di un accordo 9 (no 3 no 7).

Infine, se sei un compositore elettronico, presumibilmente suoni a volte i sintetizzatori e sai come fare un singolo, una nota stabile su un synth analogico con un'interessante modulazione del filtro può essere un'avventura armonica a sé stante; prova a suonare tre note in ottave diverse con un suono PWM e filtrare la risonanza interrompendone l'oscillazione, quindi sposta la traccia chiave - Penso che i tuoi vicini concorderanno che puoi ottenere un suono abbastanza pieno con solo tre note :)