Domanda:
Come creare progressioni di accordi sensate
Sketchyfish
2014-04-24 18:13:45 UTC
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Ho letto il libro Harmony di Walter Piston e mi ha aperto gli occhi per non dire altro. Comprendo concetti come tensione e rilascio, guida vocale e così via, ma ancora non capisco del tutto il processo di generazione di schemi armonici diversi da tentativi ed errori, o dalla composizione nel suo insieme. Capisco molte cose che prima non avevo, ma sembra che ci sia molto di più quando ascolto un pezzo di Sibelius, Mahler o Mozart. Ad essere sincero, mi aspettavo una sorta di rivelazione armonica nel senso che avrei avuto un modo per capire (in un senso molto limitato) e analizzare le opere, ma semplicemente non è così.

Ho la sensazione che ora tu possa fare un pezzo usando semplicemente IVI, e ho visto molti di questi esempi, ma ancora non capisco veramente cosa pensa il compositore da quando inizia da I e si fa strada verso V. Io ancora non capisco t capire davvero come pensare alle progressioni armoniche in un modo che sia utile (ovvero in un modo che mi aiuterà a scrivere la mia musica). Questi pezzi che sento sembrano essere stati scritti da soli ... quindi la mia conclusione è che lo sto sbagliando.

Forse sto mettendo troppa enfasi sull'armonia. Dovrei esaminare la forma musicale?

Se vuoi guardare al "perché" delle progressioni di accordi, pensa ai concetti di partenza e ritorno. Se guardi alla forma musicale, vedrai che anche il concetto di partenza e ritorno ne fa parte.
A proposito; non preoccuparti di confrontarti con famosi compositori classici. Erano così bravi, le loro opere sono ancora famose in tutto il mondo. È semplicemente ingiusto paragonarti a questi mezze divinità, soprattutto se non hai avuto una formazione sostanziale nella composizione (cosa che avevano tutti. Indovina qual era la professione dei padri di - per esempio - Bach e Mozart).
Sei risposte:
#1
+26
jjmusicnotes
2014-04-24 19:34:56 UTC
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Ottima domanda: ricordo quando io stesso ero confuso su questa stessa cosa molti anni fa, e in effetti all'inizio sembra tutto completamente casuale. Per rispondere alla tua domanda, ci deve essere un po 'di background:

Storicamente, pensare alla musica in termini di progressione armonica è qualcosa che in realtà ha solo raggiunto la massima importanza in gli ultimi 150 anni circa (non molto lunghi se si considerano gli ultimi 2000 anni ...) Mozart stava uscendo dal periodo barocco, e durante quel periodo molte persone pensavano alla musica linearmente - come in , le armonie verticali sono il risultato di un movimento lineare, non il contrario. Mahler e Sibelius sono un po 'più difficili da definire: Sibelius ha scritto molta musica programmatica e orientata alla natura, e attraverso la sua tecnica di genesi teleologica si potrebbe sostenere che a modo suo era pensare in modo lineare (o forse per moduli di frasi) più che in modo armonico, ma sto divagando.

È importante ricordare che oltre ai compositori che hai menzionato, molti altri compositori hanno pensato a implicazioni più ampie delle relazioni chiave, e di conseguenza, ha inventato una miriade di dispositivi per facilitare il movimento tra queste relazioni. Questi dispositivi ( tonicizzazione, modulazione, saturazione cromatica ) e molti altri impiegherebbero troppo tempo per descriverli accuratamente in una semplice risposta. Ma è importante ricordare che hanno usato questi dispositivi e tu non hai iniziato a usarli. Pertanto, la tua musica non suonerà come quella lì.

Quando si scrive musica, per alcune persone viene in modo diverso in termini di ispirazione e dovrebbe venire in modo diverso per le persone a seconda del progetto. Ad esempio, se stai scrivendo una canzone per la tua band, probabilmente inventerai prima la progressione di accordi. Tuttavia, se stai impostando il testo per una canzone artistica o stai lavorando a una sonata per tuba o qualcosa del genere, probabilmente ti verranno in mente un paio di riff che ti piacciono prima di aggiungere accordi.

Morale: niente panico; inizia con quello che senti per primo.

Sì, ci sono alcune progressioni "predefinite". Ad esempio:

  • I-IV-V7-I
  • I-vi-ii6 / 5-V7-I
  • I-vi-IV -V7-I

Molti compositori (specialmente quelli famosi) erano considerati per il loro uso economico degli accordi - li ripetevano più e più volte. Questo uso ha fornito coerenza armonica durante tutto il lavoro e localmente le frasi.


Sostituzione

Potresti avere o meno familiarità con scale e chiavi . Con la musica popolare, spesso i tasti vengono ignorati, il che può rendere difficile se vuoi mettere insieme accordi che suonano come dovrebbero andare insieme.

Se stai leggendo Piston (buon testo, incredibilmente secco) allora dovresti sapere che gli accordi in tonalità maggiori possono essere rappresentati da ogni grado della scala in questo modo:

I, ii, iii, IV, V, vi, vii °

In una progressione comune (I-IV-VI per esempio), uno o più accordi possono essere sostituiti con accordi che condividono note simili. IV può essere sostituito con ii o vi, I può essere sostituito con vi o iii, V può essere sostituito con iii o vii ° per esempio. (Va notato che iii è un accordo incredibilmente debole e non può essere utilizzato efficacemente come sostituto di V.)


Cadenze

Sarebbe una buona idea conoscere i diversi tipi di cadenze e come / quando usarle. Puoi quindi utilizzare le progressioni predefinite per dirigere le tue armonie subordinate in modo che puntino verso le cadenze e per dare al tuo brano un movimento in avanti.


I miei consigli

Inizia con una semplice progressione di accordi predefinita e trasformalo in un esercizio per scrivere della musica utilizzando solo quegli accordi. Fallo in tutte e 12 le chiavi. Una volta che ti senti a tuo agio, inizia di tanto in tanto a sostituire alcuni accordi con possibilità armoniche più interessanti. Alla fine svilupperai il tuo stile su ciò che ti piace ascoltare e su come dovrebbe essere annotato.

#2
+6
Tekkerue
2015-12-15 14:01:09 UTC
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Penso che sia ovvio che ci sono molti approcci diversi per creare progressioni di accordi significative, ma volevo condividere un utile "trucco" che ho imparato mentre studiavo teoria musicale al college. Questo trucco non richiede una conoscenza approfondita della teoria, quindi è un modo semplice per iniziare a creare progressioni che suonano bene e avere un'idea di quello che stai facendo. Inoltre, vorrei iniziare menzionando che tutte le progressioni in scatola jjmusicnote menzionate nel suo fantastico post in realtà seguono questo trucco alla lettera, quindi questo è un trucco davvero carino da avere sotto la cintura. :)

Il trucco è usare i movimenti degli accordi che suonano sempre come se fossero in movimento in avanti e questi movimenti sono:

  • Su di una seconda
  • Sotto di una terza
  • Su di una quarta

La teoria alla base di questo è che le note con l'accordo:

  • Passa alla nota successiva nella scala (vai avanti nella scala)
  • Rimani lo stesso

Ecco un esempio di ogni movimento di accordi nella tonalità di Do maggiore:

Su la seconda: Do maggiore a Re minore

Tutti le note (Do, Mi, Sol) nell'accordo di Do maggiore si spostano alla nota successiva della scala.

  Do --> D (sposta su) Mi --> F (sposta su) G --> LA (sposta su)  

Giù di terza: Do maggiore a La minore

La nota G nell'accordo di Do maggiore si sposta fino alla nota successiva nella scala. Le note C ed E rimangono le stesse.

  C --> C (resta lo stesso) E --> E (resta lo stesso) G --> A (sposta su)  codice> 

Su la quarta: Do maggiore a Fa maggiore

Le note E e G nell'accordo di Do maggiore si muovono fino alla nota successiva della scala. La nota C rimane la stessa.

  C --> C (resta lo stesso) E --> F (sposta su) G --> A (sposta su)  

E infine, ho detto all'inizio che le note jjmusicnote di accordi in scatola menzionate nel suo post seguono questo trucco, quindi ecco la ripartizione di quelle progressioni di accordi (per semplicità ometto le estensioni di accordi jjmusicnotes incluse):

  I IV V I- su un 4 ° su un 2 ° su un 4 ° I vi ii V I- giù un 3 ° su un 4 ° su un 4 ° su un 4 ° I vi IV V I- giù a 3 ° giù per 3 ° su 2 ° su 4 °  

Prova e scoprirai che le progressioni di accordi create con questo metodo hanno la stessa sensazione di andare avanti che hanno tutte queste progressioni di accordi.

Come bonus aggiuntivo, se inverti tutti questi movimenti di accordi su " Down a 2nd "," Up a 3rd "e" Down a 4th "creerai esattamente l'effetto opposto. Invece di andare avanti, ora dovrai andare indietro . Questo ti dà un altro sapore con cui lavorare quando vuoi usarlo.

#3
+3
1919viola
2015-12-15 15:52:09 UTC
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Questa è un'ottima domanda con cui lottano tutte le persone che hanno deciso di scrivere musica (in qualsiasi sistema armonico, sia tonale che atonale). La conclusione su cui ho deciso al momento è che tutto si riduce alla guida della voce.

Ammetto di non aver letto il testo di Mr. Piston (anche se ammiro la sua musica), ma dal modo in cui Quando esprimi la tua domanda sono portato a credere che stia presentando la teoria armonica nel solito modo verticale. Non c'è nulla di tecnicamente sbagliato in questo approccio, tuttavia personalmente credo che questo modo di pensare sia molto più adatto all'analisi che alla composizione. L'intera faccenda di pensare alle armonie come strutture verticali è radicata nel pensiero reso popolare dal teorico barocco francese ed eccellente compositore Jean-Philippe Rameau, e da allora è stato prominente nel pensiero analitico. Questa teoria segue l'idea che i modelli di movimento delle radici nel basso determinano la progressione armonica. Credo, tuttavia, che Rameau abbia mancato il bersaglio e abbia semplicemente fatto osservazioni utili sui risultati di una buona scrittura e non sui principi alla base.

Per avere un quadro migliore di come funziona l'armonia, penso sia utile pensarci nel suo contesto storico. Prima dell'avvento del barocco, dal Medioevo al tardo Rinascimento, la musica composta era un'arte fondamentalmente polifonica. Il modo dominante di concepire la musica era di più voci che cantavano versi separati che erano completamente indipendenti ma interagivano tra loro in armonia . Ogni voce (alto, soprano, basso, ecc.) Cantava in quello che era essenzialmente un canto leggermente più florido come lo stile gregoriano che si conformava a un comune tactus o pulsazione. La concezione delle voci di una composizione come entità separate era così pervasiva che fino all'avvento del barocco, le partiture letteralmente non esistevano. Anche durante la composizione di brani con un massimo di 9 voci (40 in un famoso caso!), Il compositore scriveva ciascuna voce separatamente nel proprio partbook. Ci si aspettava che gli organizzatori fossero in grado di leggere 5 mottetti scritti in questo modo da 5 diversi libri a vista per essere considerati per un posto in una chiesa rispettabile!

Ora, per mettere in relazione questo con l'armonia tonale. Se si passa un po 'di tempo a guardare lo sviluppo della musica polifonica nel tempo, man mano che le voci diventano più numerose e le relazioni tra loro iniziano a diventare più complesse, le strutture armoniche che ne risultano iniziano a suonare sempre più come progressioni armoniche di pratica comune. Ovviamente tutta questa musica aveva un carattere fondamentalmente modale; la vera tonalità minore maggiore non è emersa veramente fino al periodo barocco vero e proprio, ma era essenzialmente una sorta di modellizzazione delle tendenze comuni nella guida vocale rinascimentale. I corali di Bach, l'armonia in 4 parti più comunemente analizzata conosciuta dall'uomo, hanno molto più senso se osservati da una posizione lineare e polifonica che da una verticale, cordale.

Per avere un'idea migliore di come scrivere progressioni armoniche, trova un libro di testo di contrappunto del XVI secolo e cerca di seguire tutte le regole. All'inizio sembrerà restrittivo, ma penso sia istruttivo. Prova a scrivere un contrappunto a 2 voci con linee melodiche ugualmente interessanti in entrambe le voci, quindi inizia ad aggiungere le voci. Penso che rimarrai sorpreso da quanto i tuoi risultati siano vicini a una buona pratica comune armonia senza pensare affatto alle strutture verticali.

Naturalmente, non tutta la musica è di natura contrappuntistica, da quando Rameau ha pubblicato il suo trattato le idee sono state nella coscienza musicale generale. Molta musica scritta dopo di lui è stata almeno parzialmente basata sul suo pensiero. Credo fermamente, tuttavia, che i più grandi compositori (Sibelius, Mahler e Mozart tra loro) abbiano compreso molto bene questa profonda rilevanza universale della guida vocale, ed è questo che penso contribuisca in parte al meraviglioso organicismo della loro armonia, una ricca interazione di pensiero contrappuntistico e ramelliano.

Conduzione vocale e buon controllo della tensione e del rilascio e una consapevolezza del flusso del tempo e dello slancio (che, guarda caso, non sono esclusivi della musica tonale, leggi Il libro di teoria di Hindemith e guarda alcune analisi di Bartok!) Nella tua musica sono le cose più importanti da considerare. Le progressioni tonali non sono e non sono mai state un obiettivo, ma una conseguenza del modo in cui le persone hanno affrontato queste questioni fondamentali nel corso dei secoli. Penso che se provi a pensare alla musica in questi termini, non solo scriverai musica migliore, ma avrai anche maggiori probabilità di trovare modi nuovi e originali per affrontarli e creare uno stile più personale e meno artificioso.

Buona fortuna per la composizione!

#4
+2
MrTheBard
2014-04-24 19:12:22 UTC
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Ottima domanda Sketchyfish, e il motivo per cui la tua domanda non ha ancora ricevuto risposta in altri forum, è perché non c'è una risposta chiara. La teoria è fantastica da conoscere. Lo considero un must per i compositori.

Le progressioni di accordi buone e interessanti sono basate sulla melodia. Dalla tua domanda sembra che tu stia cercando di inventare progressioni di accordi prima di una melodia, o semplicemente di inventare una progressione di accordi autonoma. Non che ci sia qualcosa di sbagliato in quel metodo, ma le progressioni che sembrano manifestarsi da sole sono perché la melodia richiede quegli accordi specifici.

Dubito fortemente che qualsiasi compositore pensi deliberatamente, devo suonarli sequenza di note in modo da poter risolvere l'accordo di V. Il più delle volte un compositore escogiterà una melodia interessante e quindi utilizzerà gli accordi per armonizzare la melodia. È facile imbattersi in alcune progressioni che non hanno senso, perché i compositori possono e usano accordi che appartengono a una tonalità molto lontana. Il problema dell'armonia è che ci sono tanti modi per armonizzare una melodia e una nota. Quando armonizzi devi decidere se vuoi che la melodia si armonizzi con la fondamentale, la terza o la quinta dell'accordo, o anche una nota estesa come una sesta o una tredicesima bemolle.

Penso che dovresti provare scrivere una melodia e poi aggiungervi gli accordi in seguito. Inizia con gli accordi più semplici, che appartengono alla chiave, ma poi inizia a usare accordi che provengono da altre chiavi. Ad esempio, se stai suonando nella tonalità di do maggiore e la tua melodia si ferma su una nota di re, armonizzala con un accordo di si bemolle. Bb è l'accordo IV di Fmajor che è molto strettamente correlato a Cmajor, e potrebbe rendere la tua melodia più interessante, perché contiene una nota D che andrà con la tua nota D, ma contiene anche un B flat, che non appartiene alla chiave di Cmajor.

Per riassumere, non penso davvero che compositori come Mozart fossero così metodici da pensare: "Devo risolvere correttamente questo problema, quindi devo raggiungere V eseguendo questo passaggio teoricamente corretto" . Penso che abbiano lasciato che la loro melodia e le loro emozioni portassero la melodia dove doveva andare e poi l'hanno armonizzata in modi che erano interessanti. Ci sono molti tentativi ed errori nelle prime fasi della musica, ma alla fine inizi a sviluppare un orecchio e diventa più facile ottenere il suono desiderato.

In realtà, non sono assolutamente d'accordo con il tuo terzo e quinto paragrafo. Molti compositori (se scrivono musica tonale) pensano * esattamente * che - come posso uscire da questo casino in cui mi sono cacciato e arrivare a quell'accordo di V? MOLTI compositori hanno pensato a tutto ciò con molta attenzione perché spesso hanno attribuito connotazioni strutturali più ampie oltre a connotazioni locali.
Devo dire che non sono d'accordo solo per i motivi che fa jjmusicnotes. Ho scritto alcune cose per conto mio e di solito inizio con una sorta di tema melodico e con un'idea di quale forma userò. Spesso mi imbatto proprio nel tipo di "pasticci" che lui menziona. Inoltre, potresti dare un'occhiata a [questo] (http://www.bl.uk/learning/timeline/large105241.html). Gli schizzi di Beethoven hanno molti dettagli rappresentati come linee, che danno la direzione generale delle note. Ciò suggerisce che spesso ha concettualizzato prima una struttura più ampia e successivamente ha completato i dettagli.
Apprezzo il tuo consiglio, MrTheBard.
Non vedo la differenza tra l'approccio di BobRhodes e quello di MrTheBard. BobRodes afferma che Beethoven ha concettualizzato la direzione (ascendente, discendente) e poi ha inserito i dettagli. Suona più o meno come inventare prima una melodia e poi lavorare in una progressione di accordi per supportarla. Cosa mi sto perdendo?
#5
+1
Andrew
2014-04-25 18:35:12 UTC
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Per rispondere alla domanda dei poster, dovresti studiare "il circolo delle quinte" e considerarlo il pezzo centrale della composizione della teoria musicale. C'è una ragione matematica, guardando "LA" a 440 Hz, e procedendo da lì verso il basso o verso l'alto, che certi accordi in un cerchio di quinte ascendenti, o quarte discendenti, 'risuoneranno' correttamente nell'orecchio e renderanno 'correttezza 'al timpano e al sistema nervoso. Questo spiega la nozione di "deve arrivare a V" nella composizione.

Tutti gli accordi I-XII, anche sopra con 13a e 14a, relativi all'accordo fondamentale, possono essere raggiunti entro il cerchio delle quinte, o la progressione che ne deriva.

Tutti i compositori affermeranno che la licenza "artistica" consente progressioni atonali e di altro tipo al di fuori del circolo delle quinte - io sono certamente uno di loro. Ma se si fa troppo affidamento, tale musica suonerà generalmente discordante, scritta male e, sebbene raggiunga tensione e risolutezza, non suonerà sempre "sensata" o particolarmente attraente.

Direi che è per ragioni matematiche più che per ragioni "artistiche" che I-V-I o I-II-V-I sono progressioni "corrette". Sebbene un compositore possa "suonare a orecchio" o scrivere "emotivamente" o "con ispirazione", quelle motivazioni umane non cambiano le leggi della fisica e quindi il modo in cui le armonie formano una progressione. Un buon compositore abbraccia queste leggi naturali, non le combatte e fa finta che non esistano.

Ovviamente, la tensione e la risolutezza possono essere fabbricate, per esempio interi intervalli di tono, o solo accordi casuali. E, come molti bravi autori di canzoni, penso che questi "effetti", se usati bene, in particolare per le sezioni di transizione e bridge, siano cruciali per una buona scrittura. Ma dubito che un compositore serio abbandonerà del tutto il circolo delle quinte.

Rispettosamente non sono d'accordo con la grande maggioranza di questa risposta. Il cerchio delle quinte è creato dai tetracordi e dalla proporzionalità intervallica, i rapporti Hz determinano semplicemente il * temperamento * in cui vengono prodotte le note. I paragrafi 3-5 sono semplicemente falsi. Guarda Wagner, guarda Bartok, Stravinsky, Copland, Glass, Reich, Stockhausen, Feldman e ** centinaia ** di altri compositori * di grande successo * che non aderivano alla cerchia delle quinte. La maggior parte della musica nel corso della storia è stata fatta senza il cerchio delle quinte. Le tue affermazioni nascono per ignoranza e sono miopi. Si prega di modificare.
Sì, centinaia di compositori di grande successo ammoniscono il circolo delle quinte. Ci sono migliaia di compositori ANCORA PIÙ di successo che lo accettano. La musica in definitiva è un gusto acquisito, che può essere abbastanza soggettivo. Penso di aver risposto correttamente alla domanda. Non modificherò la risposta perché un piccolo sottoinsieme di compositori è stato in grado di creare musica dal suono tollerabile ammonendo il circolo delle quinte. Per utilizzare un esempio di matematica, è possibile aggiungere prima due cifre di numeri decine di colonne, come insegnato dalla matematica Common Core. Tuttavia, questo non è un approccio che consiglierei se vuoi un facile successo aggiungendo numeri.
Con il dovuto rispetto, penso che saresti piuttosto sorpreso di vedere quanti compositori e persone apprezzano la musica non tonalmente funzionale. L'hai detto tu stesso: il gusto è soggettivo. I tuoi gusti sono ovviamente sbilanciati verso la musica tonalmente funzionale. Anche se questo è perfettamente a posto, è * sbagliato * passarlo come la fine di tutto. Non sembri essere molto istruito in questo argomento e, come tale, dovresti essere consapevole dei tuoi limiti. Non tenterei di fare discussioni folli e ridicole sulla codifica Android, e nemmeno tu dovresti riguardo alla musica. È solo rispettoso e maturo.
Rispetto il fatto che i compositori e gli ascoltatori spesso vogliono di più (molto di più) di quello che offre una cerchia di quinte. Che le mie capacità di scrittura di canzoni superino le mie capacità di codifica del software è irrilevante. Almeno mi rivolgo al desiderio del poster: "... capire come pensare alle progressioni armoniche in un modo che sia utile". Gli accordi casuali atonali non sono utili. Affronto anche la sua domanda: "Forse sto dando troppa enfasi all'armonia. Dovrei esaminare la forma musicale?" A questo do una risposta altamente istruita. Non un tipo "amico, fai solo quello che ti sembra giusto, amico". Forse dovresti fare lo stesso.
Hai dato una risposta calunniosa, eccessivamente generalizzata con portata miope e poco o nessun supporto fattuale o aneddotico. Stai semplicemente affermando la tua opinione sull'estetica artistica come un fatto concreto, e qui sta il punto cruciale del mio primo commento. Io e te abbiamo due conversazioni diverse qui: sto parlando di accuratezza fattuale e fornendo le migliori informazioni; stai parlando di estetica artistica e di chi ha "ragione". Internet non è un luogo costruttivo e la conversazione unilaterale non è conversazione. È meglio lasciare queste cose a parti amichevoli con menti aperte.
#6
+1
Paul Abrahams
2014-04-29 04:06:46 UTC
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Di solito partiamo da casa, partiamo per un viaggio e alla fine torniamo a casa. Di solito la casa è l'accordo tonico: 1V (il 7 dominante) può riportarci a casa in una nuova casa temporanea. l'accordo può portare alla sua V, G7 e G7 possono rimandarci a C. Ma puoi usare un accordo di 7 dominante per portarti da qualche altra parte.C è casa E7 punta a una nuova tonalità temporanea, di solito la minore. Questo è ciò che accade nella canzone "Georgia on my Mind". C - MI7 - La minore. Possiamo continuare a viaggiare lontano da casa quanto ci pare, ma ... Il trucco è trovare la strada per tornare prima o poi. Paul http://www.learnjazzpianoonline.com



Questa domanda e risposta è stata tradotta automaticamente dalla lingua inglese. Il contenuto originale è disponibile su stackexchange, che ringraziamo per la licenza cc by-sa 3.0 con cui è distribuito.
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