Beethoven, per tutta la sua vita, ha creato musica che ha spinto i limiti della tonalità. Nel periodo classico c'erano "regole" su quanto si potevano spingere questi limiti, governate da tecniche contrappuntistiche che si sono evolute a partire dal XVI secolo.

Nelle opere successive di Beethoven inizi a sentire sempre più dissonanze. Musicalmente parlando, la maggior parte degli studiosi di storia della musica concorda sul fatto che Beethoven abbia inaugurato il periodo romantico. Con il progredire della musica, diversi compositori hanno spinto i confini della consonanza contro la dissonanza con modulazioni, scale alternative e persino atonalità; così come mettere in discussione ed espandere tutto ciò che riguarda la musica (strumentazione, complessità ritmica, notazione, ecc.)

Come Beethoven ha aperto la strada ai compositori del periodo romantico per diventare più indipendenti dalle "regole" del passato, così Wagner lo ha fatto per i compositori del XX secolo. Questo non vuol dire che Wagner sia l'unico compositore che ha influenzato il cambiamento, ma ha avuto uno degli impatti di più vasta portata sui futuri compositori.

Il concetto di dissonanza sostenuta è stato portato al suo apice da Arnold Schoenberg e dal suo concetto di composizione atonale, o pantonale. Tuttavia, tutta l'evoluzione musicale è proprio questo: evoluzione. Il processo di cambiamento musicale di solito non è improvviso.

C'è un punto nella storia in cui la dissonanza è diventata accettabile? Non c'è davvero una data specifica. Schoenberg non ha nemmeno iniziato a scrivere musica atonale; il suo stile iniziale è molto romantico. Era un rivoluzionario e ha influenzato notevolmente la cultura musicale che lo circondava all'inizio del 1900. Tuttavia, le persone impiegarono tempo per accettare le sue teorie. Questo potrebbe spiegare perché senti un cambiamento a metà del 1900.

Spero che tutte queste informazioni siano utili.

Modifica: per quanto riguarda i pezzi specifici hai sottolineato, ecco alcuni commenti sulla progressione degli stili musicali che rappresentano:

• Rachmaninoff rappresenta un suono romantico e lussureggiante
• Samuel Barber si sposta ulteriormente in uno stile del XX secolo, con una grande quantità di dissonanze sostenute, ma a un certo punto risolte
• The Lamb non è atonale, ma suona tonalmente ambiguo a causa del suo uso di alterazioni;
• Poi a Water Night , dove Whitacre usa una tecnica chiamata pandiatonicismo (utilizzando tutte le note della scala in gruppi) ma rimanendo in tonalità o in tonalità correlate. Il suo concetto di dissonanza sostenuta senza risoluzione dà un suono innovativo molto potente.

Trovo che Tavener e Whitacre siano molto belli e dal suono consonantico. D'altra parte, le quinte e le quarte parallele dell'organo medievale mi sembrano sgradevoli e stridenti, anche se probabilmente suonavano melodiose e dolci per gli artisti originali.

Vedo due modi di interpretare la tua domanda.

1. Quando l'uso della dissonanza è passato da scioccante e stridente a pacifico e risoluto?

Questo non è mai successo, in quanto ciò che è scioccante e stridente per un particolare le orecchie di una persona sono "dissonanti", e tutto ciò che è pacifico e risolto è "consonante".

1. Quand'è che tale dissonanza è diventata una consonanza?

Succede tutto il tempo. Tra l'era medievale e quella barocca, le quinte parallele sono cambiate da consonanza a dissonanza: una singola quinta aperta non è dissonante, ma una serie di esse suona strana e sbagliata. Allo stesso tempo, la terza maggiore è diventata una consonanza.

Penso che forse la risposta specifica alla tua domanda "quando le dissonanze dell'inizio del XX secolo sono diventate consonanze" è "quando qualsiasi brano di musica classica ha usato per la prima volta un sesto accordo aggiunto come finale. " Ad esempio, C-E-G-A-C in Do maggiore. Questo è emerso nel jazz e nella musica classica, ad esempio in Ravel e Bix Beiderbecke. Non so quale dei due sia stato il primo; Ravel era un fan del jazz e Bix era un fan di Ravel. Appare in "Gollywog's Cakewalk" di Debussy, anche se non nelle vere passeggiate sul dolce che hanno influenzato Debussy. Forse appare in Faure o Wagner; Non lo so, dovrò ascoltarlo attentamente. Sicuramente lo senti sempre nel jazz dagli anni '20 in poi. (Non sappiamo molto degli accordi usati nel jazz nei suoi primi due decenni, dal 1890 fino alla prima registrazione intorno al 1917). Messiaen fa un uso molto frequente di questo accordo. Forse è questo che ha fatto pensare a Pierre Boulez che la musica di Messiaen fosse "musica da bordello".

La "Creation du Monde" di Milhaud è stata influenzata dal jazz, e l'ultimo accordo aggiunge il tono principale (cioè B in un accordo di do maggiore). È semplicemente incredibilmente bello, e se la linea melodica fosse GABC invece di GA-Bflat-B sarebbe piacevole ma poco interessante.

(Modifica: improvvisamente mi sono reso conto che la fine di "Creation du Monde" arriva quasi direttamente dal cliché del barbiere finale "Good Evening Friends"! (Aggiunto il 6 °: CEGA. Good Evening Friends: CEG-Bflat. Milhaud: CEGB.) Quindi se riesci a trovare il primo ho una risposta.)

Non sono nemmeno uno studioso di storia della musica, ma penso che la dissonanza abbia iniziato a essere presa in considerazione con la modulazione continua usata da Wagner nelle sue composizioni, spesso visto come il padre del cromatismo.

Dopo Wagner, abbiamo Debussy. Creò una nuova scala, la scala esatonica (CDEF # G # A #) dove l'accordo fondamentale di Do (CEG) divenne uno "strano" accordo di Do, CEG #. Quindi, continuando la distruzione del sistema tonale, iniziata da Wagner.

Possiamo andare avanti all'infinito, uno dei miei preferiti è Béla Bartók, le sue opere sono completamente fuori dal sistema tonale. Ha studiato antiche canzoni popolari, che sono state composte senza alcuna conoscenza di teoria musicale e dove la dissonanza era pacificamente presente.

In "Water Night", da Whitacre, non c'è la chiave, rendendola così perfettamente comprensibile che mantiene costruendo dal quinto accordo, passa a un settimo, un nono e così via.

Per farla breve: Wagner ha iniziato a rendere accettabile la dissonanza.

EDIT: Quando dico "dissonanza iniziò a essere preso in considerazione "Voglio dire quando si iniziò a studiare la dissonanza, non solo a creare semplici tensioni e semplici modulazioni. Da quello studio derivò una scuola di musica completamente nuova.

Onestamente, la dissonanza è stata accettabile da quando ci sono state armonie non di ottava . Può sembrare sciocco, ma definiamo prima la dissonanza: due o più note i cui armonici ( http://en.wikipedia.org/wiki/Harmonic_series_(music)) non corrispondono. Ciò significa che qualsiasi coppia di note non di ottava, non unisono (non un'ottava e una quinta, non 2 ottave e una terza, ecc.) Può essere considerata dissonante. Questo è in parte il motivo per cui il primo canto lamentoso (noto anche come canto gregoriano ) è principalmente cantato all'unisono. L'abbinamento degli armonici crea un suono forte e risonante . Quando gli armonici non corrispondono (come nel caso di una terza maggiore), la risonanza è alquanto diminuita, ma creano un suono piacevole (o scricchiolante, nel caso della seconda minore) come le note e le loro sfumature vibra a velocità diverse . Avere gli armonici extra crea una pienezza del suono, motivo per cui gli accordi sono così di supporto.

Ma sto divagando.

In termini di intervalli specifici , la definizione di dissonanza è cambiata notevolmente nel corso della storia della musica. Per ora posso parlare solo di musica occidentale sin dal Rinascimento. Durante il Rinascimento, le quarti perfette erano considerate incredibilmente dissonanti e non erano usate in gran parte della musica scritta in quell'epoca. Ora, una quarta perfetta è considerata una delle consonanti più stabili. Gli intervalli di armonia preferiti sono determinati da ciò a cui sei abituato. Un eccellente esempio di questo è Charles Ives (non posso pubblicare più di 2 link, quindi mettilo alla fine dell'url di wikipedia: wiki / Charles_Ives), il cui padre gli ha fatto cantare canzoni in una chiave mentre suonava l'accompagnamento in una chiave completamente diversa. Di conseguenza, Charles Ives ha scritto quella che chiameremmo musica estremamente dissonante (

TL; DR

Ecco cosa succede:

Una generazione (SOL1) ha un tipo di armonia che gli piace e a cui è abituata. I loro figli (G2) crescono ascoltando questo, ed è il fondamento di "ciò che la musica è" per loro. Crescono e alcuni membri mettono alla prova e mettono alla prova i confini di ciò che potrebbe essere considerato " nuovo " e ancora " musicale ". C'è un respingimento da G1. A G2 piace la musica ei loro figli, G3, crescono con questo come fondamento di "cos'è la musica". È così che i Quarti Perfetti sono passati da una dissonanza nel Rinascimento a una consonanza nel Barocco.

Tu, tuttavia, probabilmente ti starai chiedendo perché dissonanza è così ampiamente utilizzato come strumento di composizione per le composizioni moderne di oggi . Bene, possiamo incolparlo della 2a scuola di musica viennese (wiki / Second_Viennese_School) e dei successivi movimenti musicali Avant Guarde ed Experiment (wiki / Avant-garde_music e wiki / Experimental_music rispettivamente).

Queste persone volevano creare suoni che non erano mai stati prodotti prima. Ci sono riusciti, ma secondo me sono anche il motivo principale per cui la musica orchestrale / non pop è diventata così impopolare.

Come suggeriscono le altre risposte, non esiste un modo semplice per rispondere a questa domanda, perché ciò che conta come "dissonanza" è cambiato nel tempo, così come l'uso o l'elusione di ciò che le persone consideravano dissonante. Aggiungo solo che c'è molta musica medievale che ha ciò che la maggior parte degli ascoltatori moderni chiamerebbe dissonanza. Ad esempio, controlla Viderunt Omnes di Pérotin, da circa 1200 secondi, anche su battiti forti, ad esempio all'1: 28:

Ci sono gradi di dissonanza e nel corso della storia della musica, le composizioni musicali sono diventate più tolleranti nei confronti di gradi crescenti di dissonanza e hanno usato più spesso una dissonanza più acuta. È un continuum. Non c'era un punto identificabile in cui tutto ciò è cambiato.

Sono un pianista e autore jazz-classico professionista.

A volte, quando provi a descrivere qualcosa di "dissonanza", ti darebbe dei momenti difficili. Perché è importante sapere cosa c'è prima e dopo gli intervalli / l'accordo che stiamo cercando di descrivere.

La dissonanza non era sicuramente accettabile con alcuni compositori. È sempre stato con noi. Proviamo a dargli un nome. C'è una frase che dice "L'arte imita la natura. Anche una cosa molto semplice potrebbe richiedere una grande complessità per poterla imitare in natura". Arnold Schoenberg, creatore della musica Atonal.

Se stai parlando solo di alcuni intervalli che sono stati usati in grandi pezzi - il che ci farebbe accettare - devi controllare J.S. Composizioni di Bach. Ci sono molti molti suoni di dissonanza in un'eccellente bellezza.

D'altra parte, se stai parlando di atteggiamenti concettuali nei movimenti armonici, potresti voler controllare Stravinsky.