Domanda:
Perché le melodie hanno armonie?
cyborg
2013-12-09 01:03:12 UTC
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Mi sembra che ad ogni melodia possano essere assegnati accordi. Sebbene persone diverse possano assegnare accordi diversi, in molti casi solo alcuni accordi (un piccolo sottoinsieme di tutte le possibili scelte di accordi) sembrano adattarsi a una melodia meglio di altri.

Quali sono le regole che determinano l'armonia ( accordi possibili) di una melodia? Qual è la loro origine? Sono solo il risultato di scelte storico-culturali arbitrarie o sono radicate in psicologia, neuroscienze e matematica (rapporti di frequenza)?

Domande correlate:

  1. Qual è la relazione tra la linea melodica e gli accordi ritmici? Questa domanda si sovrappone in gran parte alla mia. La mia domanda è più teorica e si concentra maggiormente sull'origine delle regole.

  2. È possibile trovare gli accordi corretti solo dalle note della melodia? Le risposte a questa domanda menzionano alcune regole.

  3. Programma di analisi dell'armonia Questa domanda suggerisce che le regole possono essere formulate.

  4. Che cosa dovrei imparare esattamente per capire perché certe combinazioni di accordi sono armoniche quando suonate in una sequenza? Questa domanda riguarda l'aspetto "orizzontale" dell'armonia, mentre chiedo dell'aspetto "verticale" (ma forse verticale e orizzontale sono inseparabili).

La risposta alla tua domanda sta nello studio della teoria musicale di quella che viene chiamata "Common Practice" nella storia della musica occidentale. Di solito è oggetto di un curriculum di due anni nelle scuole di musica. Puoi certamente studiarlo da solo sui libri di testo, ma non è qualcosa che può essere spiegato in un paio di brevi post su un sito come questo.
La tua affermazione che "ogni melodia ha accordi su cui la maggior parte delle persone sarebbe d'accordo" non è certamente il caso. Se studi jazz o musica classica, capirai che ciò che spesso fanno i musicisti jazz e i compositori classici è capire come armonizzare una data melodia con molte progressioni di accordi differenti. Nel jazz, questo è chiamato "sostituzione degli accordi".
Un'altra risposta breve: scegli armonie che suonano bene o migliora l'anticipazione dell'ascoltatore dei cambiamenti imminenti.
Il libro * This is Your Brain on Music * entra nei dettagli dei problemi che stai chiedendo. http://www.amazon.com/gp/aw/d/1400033535/ref=mp_s_a_1_2?qid=1386613761&sr=8-2&pi=SY200
La domanda, per quanto degna, è troppo ampia e deve essere suddivisa in sezioni separate.
Quattro risposte:
#1
+6
Lolo
2013-12-10 05:30:54 UTC
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La tua domanda è un po 'troppo aperta per ricevere una risposta completa e tutti i commenti che sono stati già fatti ti danno utili indicazioni.

Detto semplicemente: il tuo orecchio è stato allenato da ciò che hai sentito negli anni. Quando ascolti alcune note, il tuo cervello vorrà dargli un senso, ricadere in piedi, nello stesso modo in cui dai un senso a pochi punti e linee su un pezzo di carta che evocano una forma con cui hai familiarità . Probabilmente ascolterai alcune scale che hai sentito più e più volte e che potrebbero andare di pari passo con le poche note che hai suonato: stai essenzialmente collegando i punti trovando scale che condividono (la maggior parte) di queste note che sono state suonate.

Ora le successioni di accordi appartengono a queste scale che incorporeranno, implicitamente o esplicitamente le note che vengono suonate, e questa progressione di accordi probabilmente suonerà "giusta", "avrà senso", alcune più di altre a seconda di dove ( pensi) la melodia sta andando e come ogni accordo si risolve in quello successivo.

Queste armonie sono essenzialmente la tua interpretazione della melodia che obbedirà ad alcune regole musicali a cui sei abituato.

Ora vengono compiuti molti passi importanti nella storia della musica quando i compositori aumentano il livello di comfort della loro società e introducono nuove armonie che non "hanno senso" per i loro coetanei ma progressivamente si fanno strada nella mente / nel gusto / nel subconscio delle persone diventano armonie accettate più ampiamente. Molte delle armonie che ovviamente vanno bene con una melodia oggi secondo gli standard della maggior parte delle persone non avevano necessariamente tanto senso alcuni secoli fa.

A seconda dello stile che cerchi, classico, jazz, ecc., ci sono ottimi libri e corsi per aiutarti a conoscere le armonie che andranno bene con la melodia per uno stile specifico. Una nobile ricerca ...

Credo che dovresti usare la parola armonie al posto di armoniche.
Grazie, farò la correzione. Hai completamente ragione. Sono influenzato dal mio background DSP :-)
Sono contento che tu non abbia pensato che fossi solo un pignolo
No. La ricerca della precisione è nobile.
#2
+3
Basstickler
2013-12-18 10:21:19 UTC
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Parte di questo può essere risolta dall'idea di Funzione. Nella tradizione musicale occidentale gli accordi hanno una funzione, cioè svolgono un ruolo. Il termine più comunemente noto da questo processo di pensiero è la funzione dominante, costruita sulla V della chiave. L'accordo dominante è chiamato così perché ha più tensione e più desiderio di risolversi al Tonic, o accordo. È dominante in quanto richiede di essere risolto e quindi domina la progressione armonica. L'IV è noto come Pre-Dominant ed è spesso usato per impostare l'accordo dominante. Ad esempio, io | IV | V | Io | è molto comune, oppure io | vi | IV | V | Tutti gli accordi hanno un nome funzionale e usi diversi (come Pre-Dominant non viene suonato esclusivamente prima del Dominant) ma questa è, come altri hanno suggerito, una discussione piuttosto lunga.

Un fatto interessante che sembra meno conosciuto o considerato potrebbe rispondere anche ad alcune delle tue domande. È risaputo che all'interno di una data tonalità ci sono 3 accordi maggiori, ma non sempre le persone si rendono conto che tutte e 7 le note della scala possono essere armonizzate con almeno uno di quei 3 accordi. Questo è il motivo per cui qualsiasi melodia diatonica (all'interno della scala) può essere armonizzata con una combinazione di accordi I, IV e V. Se aggiungi la funzione al mix, le scelte degli accordi diventano più ovvie. Ad esempio, quando le note all'interno della melodia sono dissonanti, è probabile che tu abbia l'accordo dominante.

Come altri hanno suggerito nelle loro risposte, la tradizione e le tendenze culturali giocano un ruolo molto importante. Con l'evoluzione della tradizione, le persone hanno iniziato a giocare con le "regole" della funzione. I compositori avrebbero melodie non diatoniche (costituite da note fuori scala), che richiederebbero armonie non diatoniche. Modal Mixture / Borrowing è divertente che ha continuato ad essere usato apparentemente da tutte le espansioni / generi della musica occidentale. Modal Mixture / Borrowing consiste nel "prendere in prestito" un accordo e / o una nota melodica da una tonalità parallela (in La maggiore potresti prendere in prestito un accordo da La minore). Anche il Blues è un buon esempio. The Blues è costruito su accordi Dominant 7. Usare tutti gli accordi di Dominant 7 significa giocare con l'idea di Funzione. Invece di Dominant 7 come Functional Dominant, è la trama armonica. Il ruolo di Dominante è ancora svolto dal V7 ma I7 e IV7 non sono Funzionalmente Dominanti, in quanto non hanno la stessa voglia di risolversi al Tonico (l'accordo di I). La Funzione di V viene ulteriormente giocata "accentuando" la Dominante. Nella progressione blues standard il primo accordo di V è seguito da un accordo di IV, negando così la sua funzione. La V compare di nuovo solo nel turnaround, l'ultima battuta, e poi adempie alla sua Funzione di Dominante per riportare la progressione all'inizio. (Ci scusiamo per gli esempi estesi ma penso che aiutino a illustrare il punto)

Quindi queste tendenze culturali, come il blues, ci portano a sentire che certe progressioni di accordi sono ovvie o la scelta "giusta". Se hai dato una melodia Blues a qualcuno che aveva ascoltato solo musica classica fino al 1750ish, non avrebbe l'esperienza culturale per sapere quali accordi l'accompagnerebbero. I musicisti jazz usano l'accordo II come Pre-Dominante. A parte le differenze nel linguaggio armonico, ciò significherebbe che la scelta "ovvia" per il compositore classico sarà diversa da quella del compositore jazz il 99% delle volte, basandosi solo sulla norma culturale. Ragazzi come Thelonious Monk (Jazz) e Claude Debussy (Classical in the Romantic era) sono ottimi esempi di armonizzare le melodie in modi inaspettati.

C'è una sorta di spiegazione scientifica ma non credo che ce ne sia una teoria ufficiale di per sé. Matematicamente, la frequenza determina l'altezza e quando due altezze vengono suonate contemporaneamente, la loro consonanza / dissonanza (tensione) può essere misurata in termini di rapporto. L'unisono è il più consonante 1: 1, con l'ottava successiva 2: 1, poi la quinta 3: 2 e così via. L'accordo maggiore è percepito come più consonante del minore, che spesso si traduce in felice / triste, perché è più consonante, il che può essere dimostrato matematicamente. Le scale, e quindi le chiavi, sono matematicamente determinabili e si verificano naturalmente. Sono determinati dagli armonici prodotti da una singola nota, che non cercherò di definire visto che sto già dando una risposta piuttosto lunga. Tuttavia, le scale si verificano naturalmente e pervadono tutte le forme di musica melodica, comprese le tradizioni orientali e le tribù indigene che apparentemente non avevano avuto alcun contatto con l'esterno dall'inizio della teoria musicale.

Questa parte successiva è più congettura, poiché non sono studiato in psicologia o neuroscienze. Credo che una volta stabilita una chiave, il nostro cervello la interpreti come base di partenza e qualsiasi altra cosa sia paragonata a quella, il che gli conferisce un senso di consonanza o dissonanza. Più è lontano dalla base, più suona dissonante, anche se suoni un accordo di consonante. La triade dominante consiste solo di note che non sono nella tonica, il che fa sì che abbia il massimo desiderio di risolversi in tonica. La dominante contiene anche quello che è diventato noto come il tono principale, il 7 ° grado della scala. È un mezzo gradino sotto la radice del Tonico e per questo processo mentale è la nota più dissonante della scala. (Nel caso in cui vi sia confusione: essere 'ulteriormente rimosso', come l'ho descritto, non significa distanza da una nota. Combinando questo con il lato matematico, sebbene un mezzo passo sia 'più vicino' alla radice, è un intervallo più dissonante dell'intero passaggio, rendendolo "ulteriormente rimosso")

Quindi combiniamo tendenze culturali e condizionamenti con serie di rapporti di frequenze uguali a consonanza vs dissonanza e potenzialmente la mia congettura sull'interpretazione del nostro cervello di essere in una tonalità e in una certa misura puoi capire perché ci sono scelte "giuste" o "ovvie" per una determinata melodia. L'esposizione culturale porterà a tendenze melodiche che, attraverso la stessa esposizione, avranno armonizzazioni apparentemente "corrette". Quindi, anche se stai inventando melodie non diatoniche, il che significa che non si verificano naturalmente, è probabilmente dovuto al condizionamento culturale, che ti ha anche fornito un mezzo per armonizzarle.

Come compositore, Cerco sempre di liberarmi dall'ovvio.

#3
+2
Archagon
2013-12-17 09:43:39 UTC
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Qui potrebbe essere utile esaminare la storia della musica occidentale. Contrariamente a quanto ci si potrebbe aspettare, la polifonia o più melodie indipendenti che suonano simultaneamente, vengono prima dell'omofonia o della melodia con armonia / accordi. I primi esempi di musica occidentale erano solo melodie a voce singola - pensa al canto gregoriano. Poiché ogni ottava aveva le stesse altezze e poiché aveva senso finire con la stessa altezza da cui si era iniziati, l'ottava è stata divisa in vari modi, formando modi. Per ragioni psicologiche, suonava meglio che le note si spostassero su note vicine piuttosto che saltare ampi intervalli tutto il tempo. Dopo un po ', le persone hanno capito che suonare la nota fondamentale come un "drone" rendeva tutto un po' più interessante a causa dell'aspetto (esplicito) degli intervalli. Alcuni degli intervalli erano dissonanti (instabili), mentre altri erano consonanti (stabili) e, sempre per ragioni psicologiche, l'orecchio umano voleva sentire le dissonanze risolversi in consonanze. Alla fine, la voce polifonica divenne più comune; l'interessante relazione tra intervalli consonanti e dissonanti era ancora in fase di esplorazione, ma ora la voce del drone (insieme a forse molte altre) iniziò a muoversi in modo indipendente. Proprio intorno (o dopo) il periodo barocco, la gente iniziò a notare il ripetersi di specifici schemi di note verticali, spesso usati per effetti retorici (cadenze, ecc.). Questi schemi sono stati condensati in "accordi", e così è nata la musica omofonica.

Oggi, quando scriviamo melodie, pensiamo in termini di armonia perché è un'astrazione facile e utile che abbiamo costruito su i mattoni grezzi di modalità e intervalli. Le progressioni di accordi "funzionano" e puoi usarle con grande effetto emotivo senza fare troppo lavoro extra. Questo non è il caso di tutti i generi musicali; i jazzisti, ad esempio, spesso lavorano direttamente con intervalli consonanti / dissonanti, lasciando ad altri il compito di capire ex post facto gli "accordi". (Da qui i pazzi nomi degli accordi.)

Diamo un'occhiata a un esempio di progressione di accordi: I-IV-V-I, la struttura di base di molte melodie. L'accordo di I è composto da due intervalli, una maggiore e una minore di terza (C-E e E-G). Si noti che questi intervalli non sono stati sempre considerati stabili, ma a volte nel Rinascimento (o prima) questa percezione è cambiata. Dalla terza minore superiore, è sufficiente spostare un mezzo passo e un intero passo per arrivare a un arrangiamento di una quarta perfetta (un intervallo molto stabile) e un'altra terza maggiore (Do-Fa e Fa-La). Da lì, spostati semplicemente di mezzo passo verso il basso per la nota inferiore e su un altro passo intero per entrambe le note superiori per ottenere un arrangiamento di una 6a maggiore e ancora un'altra 3a maggiore (B-G e G-B). Tuttavia, la nota fondamentale è ancora nell'orecchio dell'ascoltatore, quindi ottieni anche la 2a minore dissonante (B-C) oltre alla 5a perfetta consonante (C-G). Se ti senti pazzo, puoi persino tenere il F per creare un tritono dissonante che suona come se deve risolversi (B-F)! Infine, da lì, ci spostiamo di qualche altro passo e torniamo al nostro accordo originale, DO-MI-SOL. Questo sistema ci permette di muoverci a) in metà o interi passaggi b) tra intervalli consonanti e dissonanti ec) crea uno schema attraverso il quale iniziamo da qualche parte, ci spostiamo da qualche altra parte e finiamo dove siamo partiti. Potremmo usare un altro sistema? Certo, potremmo iniziare con CF-Bb o qualcosa del genere per un accordo composto da un diverso insieme di intervalli stabili in una modalità diversa, ma ciò richiederebbe la creazione di molti nuovi accordi e in generale pensare piuttosto intensamente.

Questa è comunque la comprensione del mio profano.

#4
+1
user8740
2013-12-11 19:36:05 UTC
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le tue 4 o 5 domande sono sufficienti a tenerti impegnato per alcune vite e sono domande che troverai nello studio dell'armonia (lungo studio), della storia della musica (lunga storia) e duh, neuroscienze e matematica, ( studi anche più lunghi) degli ultimi due di cui non so nulla perché sono un musicista, non uno scienziato.

Cosa stai cercando di ottenere? Comprendere l'armonia da un punto di vista scientifico non è la stessa cosa che comprenderla dallo studio tradizionale dell'armonia insegnato in un conservatorio. Si potrebbe dire che quest'ultimo studio è la scienza del musicista. Dai un'occhiata a libri come "Treatise on Harmony" di Jean Philippe Rameau per vedere un esempio di musicista che era scientifico quanto un musicista potrebbe mai esserlo pur rimanendo un musicista. Anche prima importanti teorici, come Thomas Morley o anche prima, come Gioseffo Zarlino.

Nella musica devi usare molto anche le orecchie, non solo il cervello. Nella scienza non usano le orecchie, perché la musica è principalmente il regno dei musicisti. La scienza, per la maggior parte, non insegna nulla sulla musica a un musicista, che ha davvero bisogno di sapere. Ad esempio, durante il Rinascimento, i compositori hanno scritto una triade maggiore alla fine di un brano in tonalità minore. Hanno detto che la terza maggiore è più "perfetta" di una terza minore. Questo è stato chiamato un "terzo piccardiano".

Se la scienza dovesse dirti perché hanno scritto una terza maggiore invece che una minore, dubito che potrebbero. Ma la musiciana poteva "sentire" il perché. Lo studio della musica, come quello svolto da musicisti seri, è sufficientemente scientifico, cioè abbastanza a lungo, da indurre chiunque di loro a cercare risposte nelle neuroscienze. È come un pilota che ha imparato a correre e a smontare il motore di un'auto, che vuole correre e vincere. Avrebbe imparato a volare nello spazio allo stesso tempo? Ne dubito. Non è rilevante per lui, perché cerca risultati in pista piuttosto che nello spazio. Credo che un musicista sia più o meno lo stesso.

Quindi dipende da cosa stai cercando di fare e da chi sei: un musicista o uno scienziato?

Sono d'accordo; la domanda OP è un po 'troppo ampia e la scienza AFAIK non ha ancora una risposta completa.


Questa domanda e risposta è stata tradotta automaticamente dalla lingua inglese. Il contenuto originale è disponibile su stackexchange, che ringraziamo per la licenza cc by-sa 3.0 con cui è distribuito.
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