L'elenco sopra è un ottimo inizio. Aggiungerò alcuni nomi di seguito, ma prima lasciatemi parlare della domanda tecnica. Ci sono alcune tecniche di base che caratterizzano il cosiddetto minimalismo nella musica. Non tutti i minimalisti o post-minimalisti usano tutto questo, e un certo numero di compositori che venivano chiamati minimalisti hanno cambiato radicalmente stile nel corso degli anni, ma questa è la mia breve lista:

1. Ripetizione pulsata. Il suono di base del "minimalismo" è costituito da brevi motivi melodici ripetuti su un ritmo costante, come in In C (1964) di Terry Riley. Di solito questi motivi includono un ritmo incrociato o sono ritmici incrociati rispetto al polso di base; che dà alla musica la sua sensazione di oscillazione. Spesso più iterazioni dello stesso motivo vengono riprodotte in modo sovrapposto. I pattern sono solitamente tonali o modali, spesso suonano come riff jazz (molti della prima generazione di "minimalisti" sono cresciuti ed erano devoti del be-bop e del jazz modale.)

2. Fasatura. Il metodo sopra delineato implica una tecnica per "generare" diversi posizionamenti ritmici dei motivi sopra il polso. La prima tecnica del genere fu "scoperta" da Steve Reich quando lasciò che due loop di nastro andassero fuori fase suonando lo stesso materiale musicale. I suoi primi "pezzi di fase" ( Piano Phase, 1967) furono composti per consentire ai musicisti di imitare l'effetto. Un brano di fase inizia con due musicisti che suonano un pattern musicale all'unisono. Quindi un giocatore accelera leggermente e si lascia andare avanti lentamente, creando schemi di interferenza complessi, fino a quando i due schemi "bloccano" un'unità di battuta a parte, creando una sorta di canone ravvicinato all'unisono. All'inizio del Reich, questa tecnica di fasatura viene eseguita sistematicamente fino a quando i due modelli non sono tornati in fase e il pezzo si ferma.

3. I compositori successivi e lo stesso Reich esplorarono altri modi per generare schemi ad incastro. Uno è chiamato "sostituzione dei battiti per le pause". In questa tecnica, inizi con uno schema ripetuto su un impulso. Quindi costruisci una versione del pattern uno o più ritmi "fuori" dall'originale, una nota alla volta. Il gioco qui non è portare le note nell'ordine in cui si trovano nel pattern, ma scegliere un ordine che crei sotto-pattern interessanti e ritmi incrociati. Dai un'occhiata a Musica per diciotto musicisti se desideri un corso di perfezionamento su questa tecnica.

4. Musica per diciotto musicisti dimostra anche un'altra tecnica minimalista successiva. Nel 1976, Reich aveva iniziato ad aggiungere note lunghe e sostenute sopra e sotto gli schemi canonici ripetuti e sovrapposti. Iniziò anche a realizzare pezzi in cui queste note più lunghe erano soggette ad espansione e contrazione per multipli di due o tre. Quindi, in un pezzo maturo di Reich, inizi con uno schema ripetitivo; generare più copie tramite phasing o beat-replacement; e poi, quando hai una consistenza completa, inizia ad aggiungere note lunghe che raddoppiano, raddoppiano, quindi si restringono al punto in cui erano iniziate.

5. Philip Glass ha funzionato in modo leggermente diverso. Ha anche favorito un polso costante e schemi ripetitivi. Ma invece di lavorare canonicamente con più iterazioni di un pattern, ha iniziato con una sola riga, che ha variato per addizione e sottrazione. ( Music in Fifths ) Glass iniziava con una breve frase melodica, poi aggiungeva note, poche alla volta, ripetendo ogni versione un mucchio di volte, fino a quando a metà del pezzo, ciascuna ciclo ha coinvolto un complicato avvolgimento su e giù e su e giù. Quindi rimuoveva sistematicamente le note che aggiungeva fino a quando non tornava alla melodia originale. Fine del pezzo. Negli anni '70, Glass stava lavorando con cicli di accordi, aggiungendo sistematicamente ma in modo irregolare le durate a ciascun accordo in uno schema, quindi portandole via, per creare girandole sonore super-funky ( Einstein on the Beach ) .

E questa è la serie di trucchi di base. Successivamente i compositori "post-minimalisti" hanno lavorato con questo modello, ma hanno aumentato il livello di dissonanza negli accordi, reso gli schemi melodici più irregolari e aggiunto più speziatura al suono. (Andriessen dalla lista sopra è stata un'ispirazione per molti di questi compositori.)

Alcuni compositori interessanti della prossima ondata:

• i compositori Bang on a Can: David Lang , Julia Wolfe, Michael Gordon
• Mikel Rouse
• Steve Martland
• Michael Nyman
• Kyle Gann

C'è un altro aspetto del minimalismo, che è il lato dei droni (il lato di La Monte Young), ma a meno che tu non voglia davvero sentirlo, lo lascio lì.

Esistono molti tipi diversi di minimalismo, quindi il mio primo suggerimento sarebbe di esplorare un gruppo di compositori diversi con orecchie estremamente aperte:

Philip Glass - Personalmente, la mia opera preferita è la sua opera Einstein on the Beach , ma anche i suoi quartetti d'archi sono fantastici e gli studi di pianoforte possono essere una bella introduzione. Il suo lavoro tende a funzionare ancora all'interno dell'universo delle strutture tonali e persino, in una certa misura, delle progressioni tonali, solo con un'enorme quantità di ripetizioni. Dopo aver ascoltato abbastanza, la ripetizione inizia a non suonare più come una ripetizione, almeno per me.

Steve Reich - I suoi primi lavori tendono a concentrarsi principalmente sul "phasing" di più elementi altrimenti identici. Vale a dire, gli piace esplorare schemi o melodie o progressioni di accordi in cui una copia (o copie) si sposta fuori fase con l'originale. Gli esempi classici sono i suoi pezzi su nastro It's Gonna Rain e Come Out , ma dai un'occhiata anche ad alcuni dei suoi pezzi acustici come Music for 18 Musicians . Il mio pezzo preferito è Piano Phase , in cui due pianoforti suonano materiale identico, ma gradualmente si allontanano l'uno dall'altro nel tempo fino a quando uno è una singola nota da un sedicesimo avanti. Poi si spostano di nuovo fino a quando l'uno è avanti di due sedicesimi, ecc.

Terry Riley - Conosco particolarmente solo la sua opera più famosa, In C . Il pezzo ha una cornice affascinante in cui un gruppo di musicisti procede attraverso una raccolta di un gruppo di frammenti musicali, ma ogni musicista decide quante volte vuole ripetere ogni frammento. Il risultato è l'allineamento iniziale e finale, con una parte centrale deliziosamente diffusa.

Louis Andriessen - Se puoi, procurati sicuramente una copia del CD di Bang su A Can intitolato Gigantic Dancing Human Machine . Penso che ci sia una qualità particolarmente viscerale nel suo lavoro minimalista, e molte persone non sarebbero d'accordo se lo inserissi in questo elenco, ma dai un'occhiata a Hoketus in cui due ensemble identici su entrambi i lati del palco (o uno dei due altoparlanti) fa rimbalzare le note avanti e indietro.

Pauline Oliveros - Mi piace particolarmente il suo pezzo Sound Patterns . La sua musica è particolarmente simile a un drone ed è costruita attorno a idee meditative e affascinanti. Se puoi, leggi alcuni dei suoi scritti o conferenze su "Ascolto profondo". Può trovare suoni sorprendenti in luoghi incredibilmente improbabili, come il suono dei processi vascolari all'interno di un albero accelerato e abbassato in modo che siano udibili. Fa anche alcuni lavori di scultura che possono essere piuttosto affascinanti e che generalmente includono elementi sonori sorprendenti.

John Adams - (Da non confondere con John Luther Adams, che probabilmente dovrebbe essere anche in questa lista, ma Ho meno familiarità con il suo lavoro). Il suo pezzo più popolare è sicuramente Short Ride in a Fast Machine , ed è molto divertente, ma mi piace soprattutto il suo enorme pezzo Harmonielehre . Estremamente eccitante e spesso piuttosto viscerale, la musica di Adams è spesso vista come l'ala neo-romantica del minimalismo americano e, per quanto tutte queste etichette possano essere esasperanti, capisco da dove viene questa descrizione. Usa potenti affermazioni melodiche che raggiungono una sorta di altissima qualità che può essere davvero stimolante.

Arvo Pärt - All'estremo opposto, Pärt è talvolta descritto come un "Sacro Minimalista" perché il suo lavoro è spesso austero e basato su soggetti religiosi. Armonie assolutamente stupende. Consiglio in particolare il suo famoso pezzo Fratres , in particolare nella versione per violoncello. Ha sviluppato una tecnica di contrappunto molto specifica chiamata "Tinntinnabuli" o "Tinntinnabuli" che prevede l'abbinamento di una linea melodica modale, in gran parte congiunta, con una o più voci "Tinntinnabuli" che seguono lo stesso contorno generale ma arpeggiano una particolare armonia, di solito una triade minore .

MODIFICA PER AGGIUNGERE: Vorrei sottolineare che, al di là di un'atmosfera molto generale, è difficile indicare una particolare tecnica minimalista comune. Ogni compositore tende ad avere il proprio metodo di esplorazione e, in larga misura, non si considera appartenente a nessun tipo di singola scuola. Alcuni esplorano la ripetizione (spesso con l'obiettivo di esporre minuscole differenze sia nell'esecuzione delle percezioni dell'ascoltatore che rendono di nuovo nuova una ripetizione) [Glass, Reich, Adams], alcuni esplorano i droni [LaMonte Young, Oliveros, Pärt], altri esplorano le restrizioni compositive [ Luther Adams, Andriessen]. A parte il "phasing" di Reich, il "Deep Listening" di Oliveros e il "Tinntinnabuli" di Pärt, non credo che ci sia tanto da esplorare in quella direzione quanto potrebbe esserci, per esempio, nel Serialismo. Molti compositori minimalisti stavano reagendo in modo specifico contro ciò che consideravano un eccessivo affidamento su procedure e metodi.

MODIFICA AGGIUNTIVA: Il sentimento generale del paragrafo precedente è vero, ma la risposta di Robert Fink è forte evidenziare alcune tecniche generali che sono relativamente comuni. Grandi esempi.