Twelve-Tone Tonality di George Perle può essere utile.

Per quanto riguarda "che tipo di struttura avrebbe un brano", ricorda, puoi strutturare la musica non solo con le altezze, ma anche il tempo. Ritengo che il tempo sia una considerazione ancora più fondamentale dell'altezza nella musica. Quindi chiedi: c'è un ritmo regolare? in quante parti dividere una battuta? puoi usare due tipi di durate per formare regolarmente un modello per contare unità di tempo più grandi? Quanti di ciascuno per ogni conteggio? che ne dici di formare tali schemi di conteggio con tre o più tipi di durate? usi un metro normale? quanto spesso cambi metro? quante unità di metro dura ogni frase? variate le vostre frasi in lunghezza? puoi usare ritmi diversi in parti diverse di ogni frase in modo regolare? puoi farlo in modo non regolare? quante frasi ci sono in ogni sezione? raggruppate le frasi in sezioni con il tempo? quante sezioni puoi avere? in che modo i diversi usi di (suddivisioni e modelli di) battiti, metriche e frasi caratterizzano le tue sezioni?

Soprattutto, come ti sentono? Questo dà forma al "come componi".

Quali risorse (fisiche, quindi sonore) usi? Questo è ciò che rende la tua scrittura più di qualcosa come risolvere un cruciverba. Prevedi di utilizzare tutte le tue risorse tutto il tempo? Sarebbe noioso, se non faticoso, no? Quando Schoenberg usava intenzionalmente tutte le sue risorse di classe di intonazione regolarmente, per evitare la tua noia, ha strutturato il suo tempo e ha usato i suoi strumenti in molti schemi e combinazioni diversi (ho detto classe di intonazione invece di intonazione lì perché suonava anche con come usare la stessa classe di altezza in ottave diverse) CON MOLTA LIBERTÀ.

Schoenberg era molto (ma non completamente) disciplinato con la sua tecnica per garantire il suo utilizzo di 12 lezioni di pitch con la stessa regolarità, ma ha inventato altri aspetti della sua musica senza regole esplicite. ecco perché fa appello ad alcune persone mentre i "serialisti totali" ad altre.

Chi vuoi come ascoltatori della tua musica? QUESTO ha un impatto importante su "come componi".

Per rispondere "come componi, usando la scala cromatica": prima devi decidere se vuoi una tonica. Se usi solo 5 o 7 altezze (classi), puoi massimizzare un effetto 'no tonic' 1) dividendo l'ottava in modo uniforme invece che in modo irregolare in modo che la tua mente abbia meno indizi per ricordare quanto spesso usi ogni altezza (classe) , 2) assicurati che non ci sia uno schema regolare (cioè una sequenza di pochi o più toni) affinché la tua mente preveda quale tono apparirà dopo, 3) usa ogni tono (classe) con la stessa frequenza di tutti gli altri, e 4) assicurati le durate delle altezze sono abbastanza irregolari in modo tale che fuori da tali sequenze di durate la tua mente non può formulare battiti o frasi (perché la formulazione di battiti e frasi aiuta la mente a fare previsioni).

Ma non è così musica, dici? Ciò dipende, ricorda, anche da altri fattori (non di intonazione), quindi per ora non discutiamo su questo punto.

Continuiamo dicendo che vuoi usare 12 altezze che dividono l'ottava in modo uniforme. Vediamo come ciò influisce sulla facilità di ottenere un effetto "no tonic". Poiché ci sono più passi possibili di cui tenere traccia, i limiti cognitivi umani assicurano che non sia necessario fare 2), 3) & 4) per raggiungerlo. Cioè, non è necessario mettere in sequenza o giustapporre le altezze in un modo quasi altrettanto difficile da prevedere, e tuttavia l'ascoltatore non sarà in grado di creare un tonico nella sua mente. Tuttavia, se un tono è notevolmente utilizzato più spesso di altri, o qualche schema appare notevolmente regolarmente affinché la mente preveda quale tono apparirà (ad esempio alla fine di una frase o di una sezione, o collegato a un determinato motivo ritmico, ecc.) , gli ascoltatori avranno il loro tonico.

In modo indiretto, ho appena definito cos'è un tonico e come puoi crearne uno (o più precisamente, come puoi aiutare i tuoi ascoltatori a crearne uno ). Se vuoi o meno un tonico dipende da te. Se ne vuoi uno, puoi usare pattern e regolarità (nel tempo di strutturazione, in sequenza o giustapposizione di altezze) per creare tonici qua e là nella tua musica. Puoi inserire indizi contraddittori in modo che più di un tono diventino candidati per il tonico nella mente del tuo ascoltatore. Puoi anche scegliere di avere tonici diversi in momenti diversi. L'intervallo o la relazione tra diversi tonici è ciò che crea cose come supertonici o medianti ecc. Nella mente del tuo ascoltatore.

Quanto a "ci sono somiglianze tra loro (tipo di struttura)?", ovviamente! Le persone che hanno scritto musica prima di te, come te, hanno ascoltato la musica degli altri. Quella musica ha modellato la loro mente. La formazione può essere "intuitiva" o "istruttiva" a seconda dell'individuo, ma il "tipo di struttura" negli stessi brani musicali influenzerà le menti di ascoltatori diversi in modi simili. Quando tali ascoltatori scrivono musica, l'esperienza di aver ascoltato tale musica (all'epoca o lì prima) risulterebbe in osservabili somiglianze di struttura tra il loro lavoro. Lo stesso vale anche per te (questo vale non solo per il tempo e la strumentazione ecc., Ma anche per l'altezza: la maggior parte degli europei scrive musica con al massimo 12 lezioni di intonazione, ma la maggior parte dei musicisti arabi e indiani fa musica con MOLTO PIÙ DI 12 lezioni di intonazione, mentre altri in altre parti del mondo ne fanno molto meno).

Inoltre c'erano (e ci sono) persone (specialmente scrittori di musica) che pensano consapevolmente (ad esempio, analizzano) la musica da sole o da altri allo scopo di inventare descrizioni teoriche della musica o procedure per scrivere musica. A volte, come nel caso delle descrizioni e delle procedure inventate da Schoenberg, tali costrutti teorici (cioè non la musica) furono resi disponibili al pubblico; a volte, non lo erano e sono rimasti con l'inventore. Tuttavia, puoi scoprire "strutture" in un brano musicale anche se non esiste una "teoria" al riguardo studiandolo o ascoltandolo direttamente. Quante teorie vuoi (o puoi) inventarti e quante teorie degli altri vuoi usare dipendono da te (le conseguenze di quella scelta, tuttavia, non dipendono interamente da te).

Questa è una domanda abbastanza ampia.

Certamente, ci sono modi estremi, formalizzati e strutturati per utilizzare la scala cromatica; Il collegamento di Rein Henrich al sistema a dodici toni di Schoenberg è una risorsa eccellente per iniziare; Ti indirizzerei anche alla pagina sul serialismo.

In generale, tuttavia, i compositori useranno il cromatismo come uno strumento o un modo per colorare un brano musicale senza impegnarsi in un approccio rigorosamente seriale e formalizzato.

Anche all'interno del nostro sistema tradizionale di armonia tonale, spesso troviamo note cromatiche non armoniche e alterazioni cromatiche degli accordi. Per questo cromatismo più docile e integrato, questa pagina è un buon punto di partenza.

Un esempio: sebbene questo passaggio di Mozart non sia " l necessariamente rappresentativo della musica di quel tempo, serve come una dimostrazione di come le linee cromatiche fluide possono completare un brano musicale principalmente tonale. La melodia suonata da 2:04 a 2:11, pur facendo riferimento al primo tema che sentiamo nel movimento, è quasi strettamente cromatica in quanto utilizza undici delle dodici note nella scala cromatica.

In generale, la musica composta utilizzando una scala a dodici toni è chiamata atonale . Schoenberg era uno dei principali fautori della tecnica dei dodici toni (sebbene egli stesso rifiutasse il termine "atonale") e un influente teorico della musica. Se vuoi imparare a comporre musica con la scala cromatica, quello che in pratica chiedi è come comporre alla maniera della scuola di Schoenberg del XX secolo, per la quale ci sono ampie informazioni.

Quando parti da zero, il miglior consiglio è cercare di non preoccuparti di linee guida o regole o scale specifiche.Se stai cercando di mantenere una prospettiva creativa su come fare una canzone, dipende tutto da te e da come dovrebbe la canzone essere ascoltato Non si sa mai come potrebbe essere il prodotto finito. Potrebbe essere qualcosa che non avresti mai voluto suonare, ma potrebbe piacerti quello che senti. Questo può o non può essere il miglior consiglio e sono sicuro che altri potrebbero darti consigli diversi che contraddicono ciò che ho detto, ma chi infrange le regole è quello che rompe il terreno

Trovo che le sequenze cromatiche siano più efficaci a dosi molto piccole. Come un unico tono di passaggio cromatico. Aggiunge un po 'di "colore" alla frase. È possibile armonizzare il tono di passaggio (di solito con un mediante cromatico) per aumentare la dimensione del "pennello". Oppure estendi il passaggio su un intervallo più lungo e armonizza gli accenti selezionati per suonare come un pennello gocciolante e saturo. Ma le note iniziali e finali mantengono il loro posto nel contesto armonico più ampio.

Ma oltre a questo, puoi scartare la struttura tonale e finire con cose come Schoenberg e Alban Berg e * Visions Fugitives "di Prokofiev.

Ma c'è anche qualcosa di più. Pezzi come Stria hanno una struttura non euclidea , dove la scala cromatica stessa non esiste più.