Non tutti i compositori oggigiorno scrivono usando i computer. Molti scrivono ancora a mano usando inchiostro o matita.

Le opere multi-strumento (da camera, orchestra, ecc.) Sono state scritte sia come note come "partitura per pianoforte" o "partitura breve". Molti, molti compositori sono / erano pianisti e quindi hanno potuto controllare la loro musica suonando attraverso la partitura del pianoforte. Una volta soddisfatti della musica, la orchestrano in base alle dimensioni dell'ensemble per cui stanno scrivendo.

Per imparare come farlo, una pratica comune all'epoca per gli studenti era quella di copiare la musica di noti compositori. Da questa pratica avrebbero imparato cosa funzionava per diversi tipi di strumenti. A quei tempi, gli ottoni e gli strumenti a fiato non erano tecnologicamente avanzati come lo sono oggi, quindi molte delle parti di fiati (specialmente gli ottoni) non erano particolarmente complicate (anche se c'erano ovviamente virtuosi su quegli strumenti naturali, pensando al concerto per tromba di Hadyn o a quello di Mozart concerti per corno).

A parte queste considerazioni, ci sono molti suoni sviluppati nel secolo scorso che non sono stati utilizzati. Ad esempio, i progressi della tecnologia hanno permesso ai compositori di sperimentare: campionamento, registrazione, manipolazione del suono dal vivo, musica elettronica, musica noise, performance art e arte multimediale per citarne alcuni. Come conseguenza della scienza (cioè l'elettricità), molte di queste tecnologie non esistevano e quindi i suoni / mezzi di espressione non esistevano. Ciò significa un diverso livello di sperimentazione, il che significa che le cose sono più standardizzate, il che significa che le cose non devono essere controllate così spesso.

Se sei coinvolto con la musica abbastanza profondamente e abbastanza a lungo, acquisire familiarità con gli strumenti, le loro tecniche e i suoni che ne derivano, il che mi porta all'ultimo punto:

Esperienza. Ho suonato il corno anche se non mi considero un suonatore di corno. Quando scrivo per corno, la mia esperienza mi dice attraverso l'orecchio della mia mente come il corno risponderà per tutta la sua portata ai diversi gesti musicali. Non ho bisogno di correre da un suonatore di corno ogni volta che scrivo qualcosa per corno. Detto questo, se scrivo qualcosa e non sono sicuro di come verrà fuori, chiederò aiuto a un suonatore di corno; non è necessaria un'intera orchestra.

Altri compositori hanno fatto / faranno / faranno la stessa cosa: utilizzare l'esperienza precedente (errori) come guida e porre domande ai singoli musicisti quando ne hanno bisogno. Molti programmi universitari offrono "letture" orchestrali per gli studenti, che possono anche offrire un feedback inestimabile.

Più ascolti e lavori con la musica, più la "senti nella tua testa". Dopo che sei diventato esperto nella trascrizione, è perfettamente possibile vedere una melodia scritta e "ascoltarla" nell'orecchio interno.

Fare lo stesso per 2, 3 ... n voci è fondamentalmente la stessa cosa , solo di più (e ovviamente richiede più pratica ed esperienza).

In effetti, la vera risposta a questa domanda varia a seconda del compositore. Alcuni avevano più o meno un'orchestra o un coro prigionieri con cui lavorare (come Bach per gran parte della sua carriera). Alcuni come Beethoven non potevano nemmeno sentire (alla fine) e tuttavia potevano scrivere. Alcuni lavoravano principalmente al piano, altri (come apparentemente Ciajkovskij) non erano particolarmente bravi a suonare nulla.

A volte è anche istruttivo guardare le partiture (non solo quella classica) e vedere quanto, o spesso quanto poco sta succedendo. A volte ci sono molte parti intrecciate, ma a volte, sebbene ci sia un'orchestra, non accade molto contrappunto. Quindi l'arte sta più nell'avere un'idea melodica che si sviluppa e rimane interessante, e nell'abilità nell'orchestrare. Meno è (a volte) di più.

In ogni caso, si tratta di "orecchio interno" prima di ogni altra cosa. Senza questo, è improbabile che tu scriva qualcosa che suoni molto meglio di casuale come punto di partenza.

Alcuni scrivono con un pianoforte per testare ritmi e progressioni di accordi. Alcuni tengono tutte le sonorità nelle loro teste.

Ma per quanto riguarda i lavori orchestrali, ho avuto il piacere di suonare brani pre-pubblicazione nei campi estivi di musica o in altri luoghi, spesso diretti dal compositore. Il compositore spesso modifica la versione finale dopo tali "esibizioni di prova". Infatti, se leggi abbastanza "note di copertina", scoprirai che molti compositori classici hanno riorganizzato sinfonie o opere dopo le prime esibizioni pubbliche pubblicate.

Innanzitutto, vorrei notare che qualsiasi compositore classico esperto probabilmente conosceva le basi di come suonare tutti gli strumenti per cui si scrive. Il compositore potrebbe non avere una grande capacità di eseguire su tutti gli strumenti, ma ogni buon compositore deve capire come i diversi strumenti producono il suono, dove sorgono difficoltà di esecuzione (ad esempio, diteggiature difficili, note che saranno più stonate, ecc.) , così come le capacità dell'insieme per cui è stato scritto.

Questo non vuol dire che i compositori provino sempre le parti su detti strumenti. (Potrebbero farlo, in particolare per i passaggi più difficili, forse anche provando una parte solista con un solista esperto su uno strumento specifico.) Ma i compositori esperti, come notato in altre risposte, tendevano a essere in grado di "ascoltare" la musica nella loro testa . Non è diverso dal modo in cui la maggior parte delle persone oggi legge comunemente le parole scritte senza parlare. Si noti che storicamente non è sempre stato così: ci sono alcune prove che nella parola antica leggere in silenzio era insolito e in alcuni casi considerato notevole. Ma ovviamente con la pratica la maggior parte delle persone può imparare a leggere il testo e capirlo senza vocalizzarlo ad alta voce. Allo stesso modo, si può leggere la musica - non solo singole linee melodiche, ma anche grandi partiture con molti strumenti, e capirle, sapendo come suonerebbero, senza ascoltarle letteralmente ad alta voce.

Aggiungo solo che un elemento forte di questo è la fluidità nell'educazione musicale tradizionale, che dava molte regole per produrre musica che "suona bene" seguendo principi tecnici. Ad esempio, se si conoscono le regole dettagliate del contrappunto rinascimentale (praticato da compositori come Palestrina e descritto in trattati come quelli del teorico storico della musica Zarlino), è molto più facile scrivere musica che suonerà semplicemente come buona musica rinascimentale seguendo le regole. Questo non vuol dire che non ci siano altri elementi nel rendere la musica artistica e interessante, ma semplicemente seguire formule e regole automaticamente produrrà qualcosa che probabilmente suonerà vagamente come "musica corretta" in quello stile.

Allo stesso modo, quando si tratta di altri strumenti e orchestre, ai compositori sono stati insegnati i principi dell'orchestrazione: quali strumenti si fondono bene insieme, quali strumenti contrastano, come creare equilibrio (dinamicamente, timbricamente, ecc.) all'interno di un insieme , come creare accordi ben espressi utilizzando strumenti diversi, ecc. La maggior parte di questi principi sono stati inizialmente trasmessi in modo informale dagli insegnanti agli studenti, ma all'inizio del 1800 c'erano alcuni insegnanti che scrivevano libri dettagliati sull'orchestrazione.

Ancora una volta, questi principi non possono garantire che ciò che scrivi sarà interessante , ma seguire queste idee e comprendere questi concetti consentirà a un compositore esperto di creare miscele orchestrali e interazioni tra gli strumenti che saranno generalmente suono competente. Oggi, gli orchestratori per cose come le colonne sonore dei film spesso fanno ancora uso di concetti simili: il vero "compositore" di un film può abbozzare le idee di melodie, temi, strumentazione generale e quindi uno schizzo del pezzo complessivo, ma gli orchestratori possono riempire nei dettagli utilizzando principi standard. Gli orchestratori in questo caso sono spesso specialisti, che si preoccupano dei dettagli effettivi delle prestazioni nel mondo reale. Le trombe e i flauti che suonano insieme su una partitura computerizzata possono sembrare a posto, ma nel mondo reale potresti non essere in grado di sentire affatto i flauti. Oppure, che dire del fatto che i giocatori di vento devono respirare? È facile scrivere una parte di fiato che va avanti all'infinito su un computer, ma potrebbe non funzionare nel mondo reale.

I veri compositori anche oggi devono quindi essere in grado di valutare la musica al di fuori della simulazione al computer, in particolare quando si scrive per grandi ensemble. La mia esperienza di lavoro con molti studenti cresciuti nell'era della scrittura musicale computerizzata è che tendono a scrivere molte cose che sembrano belle sullo schermo e in "riproduzione", ma non potrebbero mai funzionare in senso pratico. In alcuni casi, le cose che suonano ragionevolmente bene al computer suoneranno molto diverse (o addirittura cattive) quando eseguite su strumenti del mondo reale da artisti del mondo reale.

Tuttavia, i compositori hanno "testato" la loro musica durante la performance. Oggi, abbiamo un senso più forte di un "lavoro musicale" finito di quanto spesso fosse vero storicamente. I compositori in passato potevano essere più propensi a continuare a rivedere un'opera in base all'esperienza (e cose che hanno notato non funzionavano così bene), ma anche in base all'evento, all'ensemble specifico, inclusi i musicisti / cantanti disponibili, ecc. Guarda le molte versioni del Messiah di Handel, ad esempio, dove il pezzo veniva spesso modificato di anno in anno in base ai tipi di solisti che potevano essere presenti. Nel mondo reale, le specifiche della performance, anche i musicisti specifici disponibili, possono fare la differenza in ciò che ha più successo.

E non sono solo i compositori storici che avevano bisogno di "testare" la loro musica . Se oggi stai orchestrando una colonna sonora per un film di Hollywood, il tempo in studio con un'intera orchestra è incredibilmente costoso. Non puoi permetterti di realizzare nel bel mezzo di una sessione in studio: "oops, questa miscela non suona per niente come sul mio computer" o "wow, le armoniche di quello strumento sono in conflitto con quelle degli altri strumenti in alto registro "o" Non mi ero reso conto che un fagotto avrà delle reali difficoltà a suonare quel particolare trillo, seguito da quel salto ". Tali errori possono letteralmente costare centinaia o migliaia di dollari in tempo perso. Questo non vuol dire che non accadano mai: le sessioni in studio apporteranno modifiche durante la registrazione. Ma abili compositori e orchestratori possono evitare molti di questi problemi solo grazie alla loro conoscenza di "ciò che suona bene" nel mondo reale e di ciò che funziona praticamente, indipendentemente da come potrebbe suonare un output del computer.