Insegna agli studenti come creare la musica che preferiscono. Sebbene i musicisti esperti siano spesso di larghe vedute, vedendo valore e bellezza in molti tipi di musica, i bambini più piccoli sono spesso interessati principalmente a scoprire le cose che gli piacciono. Puoi spiegare in modo convincente la struttura delle canzoni nelle classifiche / nei club / sui telefoni dei tuoi studenti ora? Potresti fare musica come quella tu stesso? In caso contrario, impara a farlo prima di provare a insegnarlo.

Presenta i tuoi studenti al mondo della musica - in modo equilibrato. È fantastico conoscere la musica artistica europea da due o trecento anni fa. È altrettanto importante conoscere la danza latina, le scale arabe e la musica popolare giapponese. È tanto importante conoscere il timbro e il ritmo quanto lo è imparare l'armonia e la melodia.

Presenta ai tuoi figli quanti più concetti possibile e lascia che decidano quali trovano utili e pertinenti a cosa vogliono fare.

Aiuta i tuoi studenti a capire cosa rappresentano le diverse parti della teoria musicale.

In particolare, dovrebbero capire quali sono le idee .. .

• Terminologia e notazione
  Questi offriranno modi per mettere in relazione e comunicare concetti musicali.
• Regole specifiche dello stile e linee guida
  Il fatto che questi siano specifici dello stile deve essere compreso.
• Concetti musicali fondamentali
  Non aver paura di entrare nel scienza dei rapporti di frequenza, serie armoniche, forme d'onda, psicoacustica - anche l'evoluzione del sistema uditivo. Questo è ciò che ispirerà i tuoi studenti più brillanti!

Insegna ai tuoi studenti a pensare "teoricamente" al di fuori della teoria che già conoscono. Potresti suonare loro un pezzo o due con cui pensi che potrebbero non avere familiarità, e chiedere loro di scrivere quelle che pensano siano le regole musicali di quel pezzo o stile, quindi convincerli a seguire quelle regole per creare un nuovo pezzo in quello stile. È quando si fa qualcosa di nuovo che pensare in teoria può essere più utile.

Non "insegnare loro la teoria" per niente : dai loro l'opportunità di sperimentare la musica, ispirali a pensare a questo proposito, pianta i semi della conoscenza teorica e lascia che si sviluppi e cresca organicamente.

Ci sono due modi per avvicinarsi alla teoria musicale: come teorico musicale (che può o non può suonare effettivamente) o come professionista musicale (cioè: musicista ). I requisiti di conoscenza sono ovviamente diversi e nel contesto di questa domanda mi concentrerò principalmente sul punto di vista del professionista.

Pensiamo a quanto vale per un musicista una (parte) conoscenza della teoria musicale. Vedo almeno tre ragioni per imparare almeno un po 'di teoria:

1. Comunicazione con altri musicisti,

2. Familiarizzazione con i pattern,

3. Scorciatoie creative.

Diamo un'occhiata a ciascuna di esse a turno.

Comunicazione

Diamo un nome, così possiamo avere conversazioni su di esso.

(i Mighty Mighty Bosstones sull'origine del termine skacore )

Come musicisti dobbiamo essere in grado di parlare dei punti più fini della musica con altri musicisti e il linguaggio quotidiano non è sempre all'altezza del compito. Certo, puoi dire "suona molto piano", al contrario di pianissimo, ma la maggior parte delle volte l'unica alternativa ai termini musicali standard che significano ciò che vuoi ("suona questo bit con una sensazione di 6/8", per esempio) è dimostrare effettivamente quello che stai cercando di dire. Chiaramente, essere in grado di esprimere un concetto potenzialmente complesso con un termine semplice è preferibile.

Dato che stiamo parlando di insegnamento, i due musicisti che hanno bisogno di comunicare sono l'insegnante e lo studente. Ovviamente è possibile insegnare a qualcuno a eseguire un brano musicale senza affrontare la teoria in nessun momento (semplicemente dimostrando tutti i movimenti che lo studente deve compiere nel contesto dell'esecuzione), ma andrà molto più veloce se sei in grado di comunicare a livello concettuale. Per non dimenticarlo, le basi come i nomi delle note e la notazione musicale sono anche parti della teoria musicale.

Familiarizzazione con i pattern

Possiamo considerare un brano musicale come una lunga serie di note e pause che ci portano dall'inizio alla fine e persino imparare a suonare memorizzandolo come tale, o possiamo guardalo come un costrutto costituito da blocchi di costruzione più piccoli. Fondamentalmente, questi elementi costitutivi appariranno anche in altra musica.

Che tipo di elementi costitutivi? Scale, accordi, arpeggi, sequenze, schemi ritmici, forme standard, cadenze ecc. Ogni volta che siamo in grado di individuare qualcosa che già sappiamo in un brano musicale altrimenti sconosciuto, il nostro lavoro diventa molto più semplice. Invece di esaminare e apprendere ogni nota a turno, possiamo invece applicare concetti di livello superiore con cui siamo già familiari e competenti.

Per acquisire familiarità e competenza con tali "elementi costitutivi", tuttavia, dobbiamo prima renderci conto che esistono. Una delle funzioni della teoria musicale è identificare tali elementi costitutivi, nominarli ed esaminare come si adattano insieme.

Scorciatoie creative

Prima o poi, potremmo trovarci a dover effettivamente creare un po 'di musica, invece di imparare ciò che qualcun altro ha scritto. Può essere coinvolto come scrivere un intero pezzo da zero o semplice come "potresti inventare una parte su questo pezzo?"

Di nuovo, è possibile fare il lavoro per tentativi ed errori . Tuttavia, sarà più veloce e più facile se abbiamo un'idea di cosa è probabile che funzioni e cosa no, se abbiamo familiarità con le opzioni a nostra disposizione e come suonano.

Una conoscenza della teoria musicale ci consente sia di acquisire familiarità con tali opzioni sia di apprendere un sistema di classificazione che ci renda facile tenerne traccia.

Un approccio pratico all'insegnamento della teoria musicale

Tenendo presente quanto sopra, due cose diventano evidenti: che sarà molto utile allo studente imparare almeno un po 'di teoria musicale; e che l'apprendimento della teoria dovrebbe essere subordinato all'apprendimento della pratica musicale.

In altre parole, lo studente dovrebbe, prima di tutto, imparare a suonare la musica. Tuttavia, man mano che imparano a suonare, dovrebbero anche imparare gradualmente cosa stanno suonando e come si adatta ad altre cose che hanno già imparato.

Proviamo a compilare un elenco di i concetti teorici musicali più elementari che ogni studente dovrebbe imparare:

1. Una solida conoscenza del ritmo (inclusa la notazione ritmica) è un must assoluto per tutti. Dico sempre che imparare a contare è l'abilità più importante da padroneggiare come musicista.

La cosa grandiosa del ritmo è che è un'abilità che può essere praticata dal primo giorno, anche quando i meccanismi di produzione del suono da uno strumento sono ancora un mistero profondo e oscuro. Nella mia pratica di insegnamento, ho sempre iniziato i miei studenti principianti con esercizi di applauso, consentendo loro di prendere confidenza con il ritmo senza doversi occupare dei movimenti laboriosi di suonare uno strumento.

2. I nomi di base dei suoni che si sta imparando a produrre dovrebbero essere insegnati il ​​prima possibile, anche se probabilmente non prima di quando lo studente viene chiamato per la prima volta a suonarli.

Gli studenti dovrebbero imparare i nomi delle note che suonano (banali, lo so, ma comunque importanti), accordi (specialmente con strumenti ad alta intensità di pattern, come la chitarra), articolazioni e così via (le specifiche dipenderanno dallo strumento).

La ragione di ciò dovrebbe essere chiara: lo studente sarà chiamato a suonare queste cose più e più volte nel corso del suo studio. L'insegnante ha bisogno di un modo conciso per comunicare ciò di cui lo studente ha bisogno per suonare ed è molto più facile per lo studente pensare sulla falsariga di "qui sto suonando l'accordo di Do maggiore", invece di "Devo metterlo dito qui e questo dito qui e quel dito là e ... "

È anche probabile che lo studente a un certo punto in futuro si ritroverà a giocare con altri al di fuori della classe e qui la capacità di avere conversazioni significative su ciò che deve essere giocato sarà inestimabile.

L'insegnamento di una forma appropriata di notazione musicale deve essere incoraggiato rispetto a questo particolare problema. Non è necessario che sia una notazione musicale standard dall'inizio, se esiste un sistema più semplice e comunemente usato (penso in particolare alle tablature, in questo caso, perché offre un sistema di notazione univoco per uno strumento in cui la stessa nota può essere potenzialmente suonata in sei luoghi diversi o più). Il punto è che lo studente abbia un modo per prendere appunti su ciò di cui ha bisogno per suonare, per quando non ha un insegnante che lo mostri e per essere in grado di esplorare la musica scritta da solo.

Di fronte a uno strumento ci viene presentato un mare di possibilità musicali. Abbiamo bisogno di un modo per suddividerli in piccoli pezzi.

Ogni strumento ha il proprio set di "trucchi" per renderlo più facile (ad esempio, la tastiera del pianoforte consente di "vedere" i nomi delle note; la chitarra, invece, ne facilita la trasposizione musica su chiavi diverse, spostando i modelli di diteggiatura in posizioni diverse), quindi le specifiche dipenderanno da ciò che viene insegnato.

All'altra estremità dello spettro, ci sono cose universali per tutti (o la maggior parte) strumenti: cose come forma musicale, tonalità, modelli ritmici.

Nel contesto di un simile framework, è possibile isolare concetti comuni a un gran numero di pezzi specifici e metterli in pratica isolatamente. Se sappiamo suonare un arpeggio in do maggiore, diciamo, possiamo ricorrere a questa conoscenza ogni volta che la incontriamo in un brano musicale fino ad ora sconosciuto. Possiamo praticarlo in diverse chiavi, acquisendo competenza meccanica (ovvero: competenza con i movimenti necessari per eseguire un passaggio musicale) e preparandoci per un momento in cui ci viene richiesto di suonarlo in un contesto musicale.

In tutti i casi, tuttavia, dobbiamo prima renderci conto che tali metodi per scomporre la musica esistono, prima di poterli utilizzare a nostro vantaggio.

Considerazioni generali

Come in precedenza ha affermato, per un praticante musicale, suonare dovrebbe venire prima. I concetti teorici devono essere inseriti nell'immagine così come appaiono nella musica che lo studente sta imparando a suonare.

Tutto il ritmo dovrà essere introdotto praticamente dall'inizio, anche se iniziamo con qualcosa come semplice come suonare (o battere le mani) semiminime contando "uno-due-tre-quattro".

Allo stesso modo, mentre lo studente sta imparando a suonare singole note o accordi, dovremmo introdurre i nomi con cui d'ora in poi ci riferiremo ad essi. La capacità di dire "ora suona una nota di SI", invece di "suonare con quel dito lì", è così importante che vale la pena menzionarla. Se lo studente sta suonando accordi, dovrebbe sapere come vengono chiamati questi accordi: con più note suonate contemporaneamente, la capacità di "trasferire" una grande quantità di informazioni in un unico nome è molto più importante.

Una volta che lo studente ha acquisito le basi e impara a suonare alcuni pezzi semplici, possiamo introdurre gradualmente concetti di livello superiore. La forma musicale è qualcosa che spesso viene dimenticato, quando pensiamo alla teoria musicale, ma è sia cruciale per padroneggiare brani più lunghi e complicati sia un concetto abbastanza semplice anche per un principiante. Dimostrando come un brano musicale apparentemente monolitico possa essere scomposto in "pezzi" che vengono ripetuti e intrecciati, stiamo mostrando allo studente come rendere più facile il loro lavoro di apprendimento di un nuovo brano.

Quando lo studente inizia a espandersi in diverse tonalità, dovremmo spiegare gradualmente come funziona il concetto di tonalità e come le varie parti del sistema tonale (scale, accordi, cadenze) possono essere isolate, esercitate e applicato. L'obiettivo è che lo studente guardi un brano musicale e pensi meno in termini di una lunga serie di note, ma piuttosto in termini di blocchi musicali che può individuare, identificare e sapere come suonare.

La pratica rende permanenti, quindi è importante continuare a rafforzare questi concetti nel corso del nostro insegnamento. Lo studente dovrebbe imparare e praticare questi elementi della teoria musicale fino a quando non si radicano. Il modo più semplice per farlo è guidare lo studente attraverso le analisi della musica che suonano, specialmente i nuovi pezzi, una volta che lo studente ha una discreta padronanza di ciò che gli è stato insegnato finora. Ricorda, l'obiettivo è rendere più facile per lo studente applicare le cose che già sa e può suonare nel contesto dell'apprendimento di nuova musica.

Dal punto di vista dell'insegnante, questo significa che dovremmo affrontare le nostre lezioni in modo analitico mentre li prepariamo. Dovremmo avere un'idea solida dei concetti teorici presenti nella musica che insegneremo allo studente e cercare modi in cui possiamo sfruttarli a vantaggio dello studente.

Un brano contiene qualche concetto che lo studente è familiarità con? Prendine nota e segnalalo.

Condivide un concetto con altra musica che lo studente già conosce, che renderebbe l'apprendimento più facile e veloce? Potrebbe essere il momento di introdurre il concetto e mostrare allo studente come viene applicato.

Hai già dotato lo studente di un proprio kit di strumenti analitici? Grande! Inizia l'apprendimento di nuova musica esaminando la partitura con il tuo studente e discutendo di tutti i luoghi in cui lo studente può applicare le loro abilità esistenti.

Se vogliamo che i nostri studenti portino via una conoscenza della teoria musicale che lo farà aiutarli con la loro pratica musicale, dovrebbe essere chiaro che dobbiamo esaminare la nostra. Credo fermamente che tutto l'insegnamento sia anche apprendimento (Schoenberg sembra essere d'accordo). Possiamo andare oltre l'insegnamento ai nostri studenti come suonare un brano musicale specifico, verso la costruzione di abilità e conoscenze che consentiranno loro di suonare cose diverse con la minima quantità di lavoro extra? In caso contrario, forse è il momento di rispolverare la nostra teoria musicale.

Modifica: un esempio illustrativo

Dopo aver pubblicato questa risposta, sono arrivato a pensando che potrebbe fare con un'illustrazione dell'obiettivo finale che potremmo sperare di raggiungere nell'insegnamento della teoria ai praticanti e così accade ho un buon aneddoto personale.

Al matrimonio di mia sorella mi è stato chiesto di partecipare con la band come chitarrista solista. Suonavano una serie di standard appropriati che conoscevo, ma che non avevo mai suonato prima. Me l'hanno chiesto brevemente prima di salire sul palco, quindi qualsiasi tipo di prova era fuori discussione.

Fortunatamente, il tastierista aveva alcune brevi note (in pratica, accordi e testi), quindi eravamo d'accordo. Stavo solo guardando oltre la sua spalla. Poi mi dice:

"C'è solo una cosa: sto trasponendo la mia tastiera per semplificarmi la vita, quindi i tasti effettivi con cui suonerò saranno diversi."

Nessun problema.

Quello che avevo finito per fare è stato farmi dire da lui la vera tonalità prima di iniziare una canzone. Quindi applicherei mentalmente una rapida analisi dei numeri romani agli accordi che aveva scritto per avere un'idea di dove mi trovo, armonicamente, e questo mi avrebbe dato un'idea di dove dovevo andare melodicamente. Ha funzionato piuttosto bene.

La morale di questa storia è che per tirarla fuori, dovevo andare oltre le informazioni che mi venivano presentate (che erano sia incomplete che non del tutto accurate). L'unico modo per farlo era isolare prima il concetto generale e poi trovare un'applicazione appropriata, in termini di ciò che effettivamente suonavo. Senza una solida base nella teoria musicale di base (o un orecchio veloce e un tono perfetto) sarebbe stato impossibile.

(Vorrei iniziare dicendo che questo è un orribile compito di teoria musicale che hai mostrato. So che non è tuo, ma odio la teoria musicale se è quello che ho imparato da studente! )

Per prima cosa dobbiamo definire esattamente cosa intendiamo per "teoria musicale":

• È teoria musicale per musicisti classici o teoria musicale per musicisti popolari?
• Gli studenti possono leggere la musica o questi studenti vogliono solo comporre musica elettronica sui loro computer?
• Il curriculum includerà una componente di abilità uditive o è strettamente teorica?
• Qual è l'obiettivo di output complessivo per il quale lo studente sta imparando (e l'insegnante sta insegnando)?
• Preferisci un approccio di impilamento di accordi più "verticale" (vedi Kostka e Payne) o un approccio vocale più "orizzontale" (vedi libri di testo di Aldwell e Schachter; Laitz; e Clendinning e Marvin)?

Solo allora possiamo davvero inizia a rispondere a questa domanda.

E in ad Oltre alle due grandi risposte già date da alephzero e topo morto, alcune ulteriori osservazioni:

• Gli istruttori devono comprendere la distinzione tra e l'importanza di esempi contestuali rispetto a esempi contestuali . Per "contestuale" intendiamo un esempio che proviene dalla letteratura (come l'esempio "Inno alla gioia" nel PDF che hai fornito). Per "acontestuale" intendiamo esempi al di fuori del repertorio (come le restanti due pagine di "completa queste cadenze autentiche" nel PDF). Gli studenti preferiscono esempi contestuali la stragrande maggioranza delle volte e il materiale "si attacca" molto più facilmente quando si utilizzano esempi musicali reali.
• Allo stesso modo, incontrali nel mezzo quando si tratta del repertorio di cui parli . Troppi istruttori di teoria musicale insistono nell'insegnare le stesse frasi delle stesse sonate per pianoforte di Mozart e Haydn più e più volte, e nulla uccide più velocemente l'entusiasmo di uno studente. Se il tuo repertorio non include esempi di Aladdin , i Beatles e Lady Gaga, stai semplicemente sbagliando.

Infine, alcune fonti su insegnare teoria musicale, anche se entrambi sono rivolti a professori universitari:

• "Teaching Approaches in Music Theory" di Michael Rogers è una lettura obbligata per chiunque insegni seriamente teoria musicale.
• Se stai insegnando abilità uditive, dai un'occhiata anche a "Aural Skills Acquisition" di Gary Karpinski.
• C'è un diario dedicato a questo domanda molto: il Journal of Music Theory Pedagogy. La maggior parte di questi articoli (disponibili gratuitamente) va ben oltre lo scopo della tua domanda, ma è una fonte importante per chiunque insegni teoria musicale.

Il tuo ipotetico studente ha ragione, nel senso che "comprendere le cadenze perfette" abbastanza bene da scriverne alcune in quattro parti in armonia è una conoscenza completamente inutile tranne che in certi contesti musicali, e quei contesti sono molto probabilmente di minimo interesse per lui / lei in questa fase nel suo sviluppo musicale.

L'approccio "tradizionale" l'insegnamento della "teoria musicale" a livello elementare sembra essere basato sull'armonia pratica comune. Nel 19 ° secolo quello era un contesto musicale "live", ma ora non più. Anche nel contesto dell'insegnamento dell'esecuzione di "musica classica" (qualunque cosa sia!) Su "strumenti musicali tradizionali", c'è almeno un secolo di accumulo di materiale didattico pratico di buona qualità che si trova al di fuori di esso.

Se quanto sopra identifica correttamente la radice (o almeno una radice) del problema, non ho una "soluzione", ma come esempio specifico su cui concentrarsi, quale sarebbe una "teoria corso "per studenti di tastiere, progettato per essere utilizzato in parallelo con" Mikrokosmos "di Bartok, assomiglia? Sospetto che le "cadenze perfette" non sarebbero presenti in modo molto forte.

E "Microkosmos" non è certo musica d'avanguardia all'avanguardia, nel 2016 ...

I vari libri di "teoria elementare e musicalità" di Hindemith sono stati almeno un inizio nel nella giusta direzione, anche se ora hanno più di mezzo secolo e probabilmente Hindemith aveva la sua ascia teorica (che non è mai diventata uno strumento tradizionale per la creazione di musica) per macinare mentre li scriveva.

Sono quel violinista goffo che non conosceva un po 'di teoria - e non se ne curava - fino a circa due anni di gioco, e in realtà non se ne curava finché non ha iniziato a suonare il pianoforte. Perché il pianoforte? Bene, pensaci dal punto di vista del violinista con il corno verde. Il violino è piuttosto astratto quando si tratta di teoria musicale. Le note sono fondamentalmente punti su una stringa che devi memorizzare - fisicamente e sonicamente. Per questo motivo, di solito è più facile imparare con un metodo come Suzuki, in cui diventi esperto tecnicamente in fretta, ma a scapito della lettura della musica.

È l'unico motivo per cui sono qui a digitare questo oggi e non giocare ai videogiochi, se ha senso. Avrei smesso anni fa.

Grazie a Suzuki, avrei potuto godermi il violino prima di quanto avrei fatto altrimenti. Ma ... Teoria. Sì. Non ho potuto leggere la musica fino a circa due o tre anni dopo aver suonato, e molto male fino a quando non sono entrato nella mia prima orchestra. Così, circa un anno o due fa, ho iniziato a suonare il pianoforte "per la teoria" e come supplemento al violino.

ERA DOLOROSO . COSÌ DOLOROSO. (All'inizio ...)

Poiché non avevo mai suonato prima, e il mio insegnante di pianoforte non conosceva bene nessun altro programma di studio, ho iniziato con un libro che era fondamentalmente pensato per un asilo. A quel tempo ero abbastanza abile nella lettura a prima vista, ma letteralmente non provavo gioia nel suonare "The Computer" o "The Watchman", o anche "classici" come "Boogie Woogie Goose". Mi piacciono di più le cose premoderne.

Poi, non molto tempo fa, il mio insegnante ha iniziato a mostrarmi come improvvisare gli inni.

La bellezza di tutto ciò. Wow. Il mio mondo musicale si era aperto. Non vedevo più la musica come note predefinite su una pagina. All'improvviso, il mondo della composizione e dell'improvvisazione era apparso di fronte a me.

All'improvviso, volevo conoscere le progressioni di accordi, cose che non avrebbero mai avuto importanza a un violinista. volevo conoscere le decorazioni melodiche.

Il mio insegnante ha iniziato mostrandomi come trovare gli "accordi" di una canzone. Trova la tonalità, scegli la prima nota della scala, crea la tua triade, ripeti per la quarta e la quinta nota della scala e avrai tre accordi che suonano deliziosi in questa tonalità.

"Yay! " Ho pensato. "Ora posso suonare qualsiasi canzone che ho in mente! Posso improvvisare!"

Prendi una situazione diversa.

"Va bene, piccola. Oggi siamo imparerò a conoscere i PROGRESSIONI DI ACCORDI! Non è eccitante? "

[Urlo che fa gelare il sangue, strappa i capelli]

Non mi ero nemmeno reso conto che stavo imparando questo cose. Mi è stato insegnato come un modo per fare musica, nel contesto del fare musica.

Da allora ho perseguito la teoria musicale in modo più indipendente, ma il mio insegnante mi ha insegnato a tirare fuori gli accordi (1, 5, 8 + 3 + 3 ... non mi importerebbe più di tanto se Non potevo applicarlo alla mia musica), e ho imparato a conoscere le decorazioni melodiche nel mio tempo libero ... Sto imparando la teoria musicale perché vedo come posso applicarla nel contesto di divertirmi <. strong>

Quando sono di cattivo umore, o annoiato, o felice, o triste (o fondamentalmente ogni volta che passo davanti al piano) mi siedo e improvviso. Posso applicarlo. Voglio sapere tutto ciò che lo riguarda.

Che ne dici di leggere spartiti?

Ho capito che posso avere un'intera orchestra nello zaino ogni volta che ho una partitura con me. Insegno a me stesso le canzoni e mi diverto a dominare la mia competenza sui miei amici meno esperti di spartiti.

Divertente, eh?

Tutta questa roba, se insegnata in un libro di testo, sarebbe in un orecchio e fuori dall'altra.

Ecco la mia proposta:

Teoria musicale in base alla necessità di sapere e per necessità intendo volere.

Dì al bambino: "Ehi , oggi guarderemo un paio di canzoni fantastiche che usano [vuoto]. "

" Suona bene, eh? Sapevi che puoi inserire [vuoto] dove vuoi? Sì, Penso che sia anche carino. Proviamone un po '. Ecco, incollalo in questo pezzo. "

Oppure, se [vuoto] non può andare da nessuna parte, mostra al bambino tutti i posti nelle canzoni che gli piacciono in cui appare [vuoto]. Soprattutto, mostra al bambino che può usare [vuoto].

C'è un elemento teorico occasionale che è così teorico che non può essere realmente applicato nell'uso quotidiano, ma lo studente sarà motivato una volta trovato il motivo , anche se non puoi mostrarglielo.

Ho iniziato l'umile compito di memorizzare le mie firme chiave. È difficile e se fossi stato costretto a farlo prima, ci sarebbero state molte lacrime e la firma della chiave dimenticata.

Ora voglio impararli, perché voglio indicare un guarda il punteggio e dì "Fa minore!"

Ecco i miei dieci centesimi.

Penso che la grande (ri-?) rivelazione della nostra epoca sia l'importanza della motivazione nell'apprendimento e nella giocosità.

Motivazione

Se sei un cantautore, probabilmente imparerai la teoria per curiosità e per scrivere canzoni migliori . Chi fa parte di una big band ha bisogno di sapere come leggere un foglio e improvvisare . Il tuo amico della porta accanto vuole solo ascoltare e suonare canzoni che sente alla radio, quindi ha bisogno solo di addestramento dell'orecchio e di scale / accordi di base.

Tutte queste persone avrebbero bisogno di approcci diversi. Se ottengono ciò di cui hanno bisogno, forse la loro curiosità naturale si scatena e imparerà di più.

Anche le persone di generi diversi potrebbero non voler imparare un genere completamente diverso all'inizio. (Odiavo davvero suonare noiose composizioni per chitarra classica in do maggiore - solo per imparare a leggere gli spartiti)

Giochi

Perché imparare dovrebbe essere un dolore? Immagina un gioco fantasy, ad esempio, in cui puoi lanciare diversi incantesimi giocando a scale diverse. Hai reso le scale di apprendimento divertenti, efficaci e piacevoli.

Se hai mai giocato a un gioco strategico, probabilmente hai imparato molto sulla gestione delle risorse, sulla costruzione di macchine, ecc. Il tutto grazie a un effetto collaterale di divertimento esperienza . Ora sarei davvero felice di giocare a giochi che mi insegnano la teoria musicale o allenano il mio orecchio.

Fornire strumenti all'utente della teoria

Come ho detto per la motivazione, dovresti avere più tipi di corsi per esigenze diverse. Ad esempio, come cantautore l'approccio ideale per l'apprendimento della teoria musicale sarebbe un "database" ricercabile di notazioni, teoria ed esempi musicali combinati per ogni argomento, così posso cercare il passaggio successivo quando scrivo una canzone (esempi):

• convincenti cambiamenti chiave
• incollare ritmicamente le parti insieme
• scrivere armonie vocali
• aumentare il calore emotivamente (trucchi alla batteria, orchestrazione , armonie)

ecc.

Senza opinioni ( "Gli accordi a 4 note sono più sofisticati che suonare le triadi" ), ma con molti esempi riproducibili, preferibilmente più generi e paesi.

Non dimenticare mai che la musica deve essere ascoltata e compresa dal punto di vista sonoro.

Il potere della comunità

Non sei solo. Ci sono già materiali davvero carini su YouTube da cui puoi imparare come insegnare al meglio una certa area se sei aperto. Dovrebbero esserci sviluppatori amanti della musica che vorrebbero lavorare su un'app divertente relativa all'insegnamento della musica per un telefono. Ci sono forum in cui puoi provare e testare i tuoi metodi di insegnamento.

Prendi spunto dal miglior insegnante di composizione del secolo scorso:

Dieses Buch habe ich von meinen Schülern gelernt.
Arnold Schoenberg, Prefazione ad Harmonielehre, 1911 .

"Ho imparato questo libro dai miei allievi."

Lo stile di insegnamento di Schoenberg era esplorativo: se guardi attraverso i suoi scritti teorici e didattici , ci sono ampi esempi dalla letteratura. La natura di questo stile di insegnamento esplorativo consiste nel coinvolgere gli studenti nell'elaborare come funziona la vera musica. Farlo in questo modo richiede assolutamente di affinare la tua comprensione della musica mentre la insegni, spesso attraverso le intuizioni degli studenti stessi. Sicuramente richiede di perfezionare il tuo approccio mentre vedi cosa funziona e cosa no.

Tradurre questo approccio ai bambini delle scuole non è tutto così diverso dall'insegnare ai ragazzi di 19 anni : devi metterlo in relazione con quello che stanno facendo (che, nel caso degli scolari, è imparare a cantare e / o suonare brani progressivamente più complessi). Diventa un caso di "Hey, quando sembra che dovremmo prendere fiato, questa è una frase. Ora, guarda cosa fanno questo pezzo e questo pezzo quando la frase finisce ..."

Pace alephzero, devi lavorare partendo da una pratica comune. Gran parte della musica moderna e postmoderna si discosta da essa e, francamente, la maggior parte di ciò che i bambini impareranno a suonare con i loro strumenti è molto probabile che provenga da molto tempo nel mezzo di quel periodo, non Mikrokosmos .

Anche questo prende spunto dal grande Modernista: l'uomo che ha insegnato a compositori diversi come Webern e Cage ha insegnato quasi esclusivamente teoria pratica comune. Ci sono un paio di ragioni per questo:

1. È più facile giungere a conclusioni sulla musica che proviene principalmente dal passato. Sono stati spesi più tempo e sforzi per capire il suo funzionamento.
2. Poiché è stato codificato in misura maggiore, è più adatto al compito di sviluppare la capacità dello studente di manipolare i toni per fare ciò che vuole che facciano - "ginnastica ritmica" musicale, se vuoi. Per svolgere questo compito, è necessario stabilire obiettivi chiaramente limitati per gli esercizi per evitare di sommergere lo studente con troppe decisioni poco conosciute da prendere. La musica moderna non è affatto ben compresa o codificata, quindi il problema di forzare le decisioni prematuramente diventa molto più grande. Questo non è diverso dalle belle arti: se padroneggi le basi del disegno dal vero e della prospettiva, puoi fare praticamente tutto ciò che vuoi dopo. Hai le capacità e il controllo necessari.

Io stesso, quando ho a che fare con studenti più giovani o principianti, mi piace lavorare con i Fondamenti di composizione musicale di Schoenberg come linea guida: una progressione logica attraverso gli elementi della musica, tutti legati a un mucchio di esempi tratti dalla musica reale (e gli esempi scritti appositamente per fare un punto fanno anche musica reale).